Le poisson rêveur

Philippe Herreweghe : une Ode à Sainte Cécile intériorisée

Concert Jeudi 19 novembre à l'Eglise Saint-Roch. Au programme, deux odes (dont la célèbre dédiée à Sainte-Cécile) et le Te Deum de Henry Purcell, interprétés par le Collegium Vocale de Gand, sous la direction de Philippe Herreweghe.

Le concert débute avec une ode moins connue du compositeur anglais ("Who can from Joy refrain, this gay"), écrite à l'occasion de l'anniversaire du duc de Gloucester. Certains passages rappellent l'Ode dédiée à l'anniversaire de la Reine Mary dont un "Sound the trumpet", bien moins fameux, mais déjà assez éloquent. La virtuosité vocale exigée par cet "anthem" au style typiquement purcellien est déjà notable. Toutefois, les solistes ne semblent encore pas tout à fait en place et certaines voix (dont celle du contre-ténor français Damien Guillon) semblent à l'épreuve, notamment avec la forte réverbération de Saint-Roch.

Vient ensuite le Te Deum, véritable pièce d'orfèvrerie écrite par Henry Purcell. La finesse de la direction de Philippe Herreweghe met en évidence toute la subtilité de l'écriture de cette pièce sacrée d'un raffinement absolu. La plasticité et les sonorités soyeuses du superbe chœur du Collegium Vocale contribuent à donner une belle ampleur à cette version du Te Deum tout en conservant intacte la clarté polyphonique et la finesse de l'écriture de Henry Purcell. Le sommet de cette interprétation est de toute évidence l'enchaînement des versets "When thoug took'st upon thee to deliver man" et "O Lord, save the people". Après le fameux duo de sopranos affrontant la redoutable phrase ascendante mais de toute beauté "Thou sittest at the right hand of God in the glory of the Father", un thème sombre et mélancolique est traité par Philippe Herreweghe comme un lamento italien, l'accentuation de la peine, de la lamentation se révélant au passage "We believe that Thou shalt come to be our judge" interprétée par les deux contre-ténors et le ténor.  Parmi les solistes, Robin Blaze s'avère bien plus égal qu'à son habitude (cf. les notes à son sujet sur l'intégrale des cantates de JS Bach par Maasaki Suzuki) et bien entendu tout à fait à l'aise dans sa langue native. Les deux sopranos Dorothee Mields et Hana Blažíková, aguerries au répertoire sacrée, contribuent de façon très convaincante au caractère aérien et lumineux de ce Te Deum. Sur le registre grave, Peter Kooij, dont le répertoire sur le domaine de la musique sacrée est particulièrement impressionnant, confirme bien qu'il demeure un des piliers du Collegium Vocal de Gand, affirmant une basse solide et expressive, s'affranchissant finalement mieux que les registres masculins aigus de la difficulté des mélismes propres aux compositions de Henry Purcell.

Après l'entracte, Philippe Herreweghe et son ensemble nous présentent une nouvelle version de la fameuse Ode à Sainte Cécile "Hail ! Bright Cecilia". Le chœur et l'orchestre du Collegium vocale sont particulièrement rodés sur cette Ode de Purcell, de très nombreuses fois interprétée. Par rapport à des versions jouant sur la nervosité, les forts contrastes et les couleurs saturées (cf. note du sur l'interprétation de Marc Minkowski à la tête du chœur et de l'orchestre des musiciens du Louvre- Grenoble à Pleyel le 20 janvier 2009), Philippe Herreweghe agit plutôt comme un aquarelliste, déployant les couleurs avec le fondu d'un lavis, recherchant plus une certaine intériorité, intimité plutôt que l'éclat et l'ostentation. Les différents passages de cette ode, dédiée à la Sainte Patronne des musiciens, sont justement sensés, par le truchement de l'écriture finement ciselée de Purcell, exprimer les climats associés aux différents instruments. C'est donc inutile d'en ajouter. Il s'agit d'une glorification de l'art musical traitée sans excès dans les effets. D'aucuns resteront certainement frustrés face à ce qu'ils peuvent interpréter comme une retenue excessive ou une forme de maniérisme. D'autres loueront plutôt la finesse de jugement et une belle humilité pour servir dans ses moindres détails l'élégance de la musique du maître baroque anglais.

L'intérêt de la lecture de cette ode par Philippe Herreweghe réside également dans l''influence que JS Bach, ou au sens plus large, la musique luthérienne allemande, vient s'exercer jusque dans l'interprétation de Purcell chez le chef flamand. C'est particulièrement notable sur le chœur final de l'Ode à Sainte Cécile (le "Grand Chorus") où le Hail ! fait invariablement penser aux chœurs de conclusion des grandes cantates chorales du Cantor.

Je vous propose un extrait de la version de l'Ode à Sainte Cécile qu'avait enregistrée Philippe Herreweghe et le Collegium Vocale il y a un peu plus de dix ans (en 1998) pour le label Harmonia Mundi. La version du concert du 19 novembre à Saint-Roch était d'un tempo plus rapide avec une rythmique plus affirmée. C'était particulièrement bien venu, le tempo étiré de la version discographique ne contribuant vraiment pas à traduire le climat général d'une Ode qui doit magnifier avec une certaine ardeur la gloire de Sainte Cécile ! Ce n'est tout de même pas un Requiem mais bien une Ode censée être plutôt joyeuse !

L'extrait que j'ai choisi est le martial "The fife and all the Harmony of war", interprété par l'excellent Mark Padmore dont on ne vantera jamais assez le talent. 

Le concert était donné dans le cadre de la saison 2009 / 2010 de Philippe Maillard Productions, avec le soutien de la Fondation Orange. Détail de la distribution sur le site Internet de Philippe Maillard Productions.

Deux sites font peau neuve : Philippe Maillard Productions et Harmonia Mundi

Philippe Maillard Productions viennent d'ouvrir récemment leur nouveau site Internet. On dispose donc d'un moyen plus interactif de découvrir la superbe saison 2009 / 2010 que le document pdf initialement proposé.

On notera les concerts suivants qui s'annoncent prometteurs de belles émotions en décembre dont les Histoires sacrées de Marc-Antoine Charpentier en écho à celles de son maître Giacomo Carissimi par l'ensemble AKADÊMIA sous la direction de Françoise Lasserre (le 7 décembre à l'Oratoire du Louvre à Paris).

Il est désormais possible de réserver les concerts directement sur le site.

Depuis le blog le poisson rêveur, il vous sera possible d'accéder à ce nouveau site via la vignette reprenant le logo de Philippe Maillard Productions dans la colonne de droite du blog.

Harmonia Mundi a refondu depuis plusieurs mois maintenant son site Internet. Pour ma part, je trouve l'interface plutôt déroutante et, surtout, peu pratique. L'univers incarné par ce nouveau site est certes d'une réelle beauté mais les prétentions esthétiques du site se font vraiment au détriment de la cinématique qui est particulièrement frustrante. En voulant s'affranchir du mode classique de pagination web pour une approche de type "flash", ce site nous propose un patchwork qui laisse une impression un peu déstructurée. Peut-être suis-je déjà "largué", ce site correspondant alors aux nouvelles attentes de navigation des internautes. Je vous laisse juger par vous-même.

Passions du Christ selon Schütz et Sebastiani

Le label Ricercar poursuit sa série de rééditions avec ce double disque, regroupant deux oratorios de Heinrich Schütz : les sept paroles du Christ et une Histoire de la Résurrection du Christ, ainsi qu’une Passion selon Saint-Matthieu de Johann Sebastiani (enregistrements datant à l’origine respectivement de janvier 1998 et avril 1995), interprétés par le Ricercar Consort, sous la direction de Philippe Pierlot.

Ce recueil permet de bien appréhender des pièces assez représentatives de la musique sacrée luthérienne du XVIIème. Nettement influencés par le style italien, notamment vénitien (Heinrich Schütz a été, rappelons-le, élève de Giovanni Gabrieli), les compositeurs allemands ont intégré la lumière, le rythme et les couleurs italiennes dans leurs compositions, mais en étant soucieux de conserver un caractère intimiste, en cohérence avec la liturgie protestante luthérienne qui remet l’homme au centre du débat.

Je vous renvoie à la chronique que j'ai faite sur ce disque pour ClassiqueInfo-disque.com.

Rencontre avec Benjamin Alard

J'ai rencontré Benjamin Alard, claveciniste et organiste. Nous avons évoqué son dernier enregistrement des six sonates de JS Bach à l'orgue Aubertin de Saint-Louis en l'Ile (label Alpha) ainsi que ses projets.

Votre dernier enregistrement des sonates N° 1 à 6 de JS Bach chez Alpha a été salué par la critique, notamment parce qu'elle propose une lecture plus intériorisée, moins démonstrative que les versions jusqu'ici enregistrées. Comment pourriez-vous plus généralement qualifier votre approche par rapport à ce répertoire ?

Benjamin Alard : je désire avant tout être fidèle à la vocation que l'on donnait à l'orgue à l'époque de la composition de ces œuvres. A l'origine, le jeu à l'orgue était plutôt conçu pour imiter les timbres des autres instruments, puis pour faire écho à la voix. Dans un répertoire plus récent (de la période baroque à la période classique) on lui a conféré un rôle avec plus d'ampleur, jouant sur la masse sonore qui peut être parfois imposante ainsi que les couleurs que l'instrument peut restituer sur ses différents registres.

A l'époque où JS Bach a composé ces sonates, je pense que l'on a dépassé le cantonnement initial qu'avait l'orgue à la période de la Renaissance pour qu'il exprime, en tant qu'instrument à part entière, les timbres et nuances associés à différents affects. Selon les indications portées sur la partition, je travaille alors sur les multiples registres possibles pour trouver les bons agencements harmoniques. Ensuite, je me concentre sur le rythme, la pulsation, et je travaille particulièrement sur l'articulation qui est essentielle.

C'est en effet ce que l'on note à l'écoute de votre enregistrement. Le contrepoint est très clair, les attaques sans agressivité et la structure rythmique particulièrement bien tenue.

B.A. : la clarté de la polyphonie rendue par les différents registres de l'orgue est pour moi essentielle. La structure rythmique propre à chaque mouvement également. JS Bach a non seulement parfaitement intégré, dans ces sonates comme dans d'autres pièces, la forme italienne. Il connaissait également tous les ressorts harmoniques et rythmiques des différentes danses qu'il a intégrées dans ses compositions. Pour prendre l'exemple des sonates et partitas pour violon seul, une allemande, une gavotte, une gigue ou une chaconne ont chacune une identité rythmique propre qu'il faut s'attacher à respecter scrupuleusement. On a eu trop tendance, notamment dans les interprétations romantiques et post-romantiques des œuvres de JS Bach, à gommer ces différences pour servir le beau son, développer une articulation finalement qui se voulait plus "générique".

Je désire pour ma part revenir à une certaine simplicité, à une forme d'humilité pour servir la beauté intrinsèque de ces compositions plutôt qu'à tenter d'être démonstratif et afficher à tout prix  une certaine virtuosité technique. C'est pourquoi mon interprétation de ces sonates pourra paraître plus "intériorisée". Elle est tout simplement à la recherche de bien plus de naturel et de spontanéité. Elle s'attache également à bien travailler toutes les subtilités rythmiques de ces pièces d'une richesse exceptionnelle. Par exemple, il me semble important de bien travailler sur les césures qui entrent en jeu dans l'articulation rythmique pour contribuer à ce déploiement naturel des différents motifs de chaque mouvement.

En dehors de JS Bach, incontournable au clavecin comme à l'orgue, quels sont les autres compositeurs qui retiennent votre attention, pour le travail des instruments comme pour le concert ?

B.A. : j'ai une réelle admiration pour les maîtres allemands à la jonction du XVIIème et du XVIIIème siècle, comme, toujours dans la famille Bach, Johann Christoph Bach, organiste et compositeur, grand oncle de Jean-Sébastien Bach, qui a composé un corpus important de pièces pour orgue dont certaines sont de purs chef d'œuvre, Johann Adam Reincken, George Böhm et bien-sûr Dietrich Buxtehude.

J'ai beaucoup travaillé des variations écrites de Johann Christoph Bach. Dans une variation comme l'Aria Eberliniana, je suis marqué à quel point ces grands maîtres de la composition pour orgue ne cherchaient pas à tout prix à "faire mieux" mais tout simplement très bien. Je veux dire par là, qu'ils parvenaient de façon exemplaire à composer des pièces d'une grande clarté, dont la structure d'origine est finalement assez simple et parvenaient ensuite à décliner des variations sublimes qui servent à merveille cette simplicité. Il ne faut pas se détromper sur la difficulté technique réelle de certaines d'entre elles. Je parle plutôt de la trame, de la structure, du rendu qui font que ces œuvres restent d'une grande pureté harmonique et d'une haute tenue, sans jamais que leur compositeur ne soit tombé dans le piège de la faute de goût liée au fait d'avoir voulu pousser l'exploit encore plus loin.

Ces œuvres sont donc de véritables bijoux, ciselés à merveille. On retrouve la même facture par exemple dans certaines variations chorales de JS Bach comme l'Aria variata à la manière italienne pour clavier en la mineur BWV 989. Cela me fait penser à la même capacité qu'ont eu certains architectes, à la même époque, pour atteindre une puissance expressive indéniable avec pourtant des lignes très pures et dépouillées, comme, par exemple, Claude Nicolas Ledoux, incarnant l'apogée du néo-classicisme.

Quels sont vos projets, enregistrements et concerts ?

Je viens de terminer l'enregistrement des six partitas pour clavier au clavecin, toujours sous le label Alpha. Ce disque doit sortir début 2010. Il s'agit du premier volume d'un ensemble de quatre qui regrouperont l'essentiel des pièces pour clavier, avec, fait plutôt rare au disque, le même interprète sur l'ensemble du cycle.

Sinon, j'aimerais particulièrement enregistrer des pièces de jeunesse de JS Bach, insuffisamment jouées à mon goût parce que l'on a trop tendance à les négliger sous prétexte qu'il s'agisse justement de compositions de jeunesse du Cantor. Elles sont toutes magnifiques.

Concernant les concerts, celui associé au lancement du disque consacré aux partitas de JS Bach est planifié le samedi 20 mars à 17 h au Théâtre des Abbesses à Paris. Sinon, je dois me produire à plus court terme le 22 novembre au château d'Hardelot (programme Purcell, Blow) et à l'Eglise Saint-Louis en l'Ile à Paris, à l'orgue Bernard-Aubertin dont je suis l'un des titulaires. Nous sommes trois organistes, avec Vincent Genvrin et François Ménissier à nous produire sur un cycle "Bach, l'héritage musical" le premier dimanche de chaque mois. Les prochains concerts sont le 6 décembre et le 3 janvier (le dimanche à 12h30). La saison continue ensuite jusqu'au dernier concert programmé le 6 juin 2010.

Sinon, en partenariat avec le Théâtre des Champs-Elysées, nous avons initié une saison d'interprétation de l'intégrale de l'œuvre pour orgue de JS Bach (Bach "hors les murs"), dont les concerts se déroulent également à l'Eglise Saint-Louis en l'Ile et qui connaissent un grand succès. Je me produis avec quatre autres organistes de renom (Francis Jacob, Bernard Foccroulle, Jan Willem Jansen et Michel Bouvard). Les prochains concerts sont le 17 novembre et le 15 décembre. Pour ma part, mon prochain concert dans le cadre de ce cycle sera le 12 janvier 2010.

Le disque consacré aux six sonates pour orgue de JS Bach paru chez Alpha est un coup de cœur du poisson rêveur. On notera les magnifiques couleurs de l'orgue Aubertin de Saint-Louis en l'Ile et l'excellente qualité d'enregistrement.

Extrait du premier mouvement de la Sonate N°1 en mi bémol majeur BWV 525 :

Evidente simplicité de l'Orlando Consort sur des motets de Josquin Desprez

Ce disque n'est pas une nouveauté (parution en 2000 par Deutsche Grammophon sous le label Archiv Produktion et ne figurant plus au catalogue) mais il vient d'être judicieusement réédité cette année par Brilliant Classics. Il s'agit d'une sélection de motets pour 4 à 6 voix de Josquin Desprez, interprétés par The Orlando Consort (Robert Harre-Jones, alto - Andrew Carwood, Charles Daniels, & Angus Smith, ténor - Don Greig, baryton - Robert Macdonald, basse).

Par rapport aux autres ensembles britanniques spécialisés sur ce répertoire (comme le Tallis Scholars ou The Cardinlal's Musick), l'Orlando Consort revient à une certaine forme de simplicité. La polyphonie est articulée avec un naturel certain, sans ostentation. Leur objectif ne semble pas résider dans la démonstration de leur capacité à maîtriser toutes les prouesses rythmiques et harmoniques de la musique particulièrement savante de Josquin Desprez. Ils se détachent ainsi de l'école d'interprétation britannique, marquée par une certaine linéarité du chant, faisant de ces motets des entités abstraites où l'accent est plus mis sur la pureté de la ligne et la justesse, la précision des registres que sur l'expressivité et la volonté de servir le texte.

Pour cet enregistrement de 16 motets, l'ensemble Orlando se produit avec des configurations à géométrie variable (de 4 à 6 voix), proposant ainsi des climats assez différents, jouant ainsi sur l'ampleur du chant, la porté des voix, la densité de la texture sonore. Ensuite, le groupe vocal reste sur un ambitus assez resserré et joue ainsi plus sur la cohérence, l'homogénéité des timbres que sur des colorations particulières de certaines voix. Certains pourraient  déplorer un certain manque de relief, d'autres, dont je fais partie, y apprécier le fait que cela apporte une belle densité à ces motets.

Parmi les plus beaux passages de ce disque, on notera les deux motets qui se suivent et ne se ressemblent justement absolument pas : le Christe Fili Dei - J'ay pris amour à 4 voix, d'une part, où Josquin Deprez déroule un mécanisme d'imitation du thème de la voix d'alto par les autres registres particulièrement subtile et élaboré ; puis le O Virgo virginum à 6 voix d'autre part, où les voix en accord déploient une ampleur impressionnante, entraînée par les basses. Ces accords prolongés se superposent par un effet de tuilage impressionnant avec des modulations dont les effets confère à ce motet une grandeur indéniable.

Disque très intéressant, distribué par Abeille Musique, et à découvrir.

Josquin Desprez - Motets - Orlando Consort - label Brilliant Classics.

Extrait du motet "O Virgo virginum" :

Un Baroque intimiste et coloré sous les doigts de Racha Arodaky

Dans le cadre du lancement de son disque consacré aux suites de GF Haendel, Racha Arodaky donnait un récital lundi 16 novembre au théâtre de l'Athénée-Louis Jouvet. Au programme, Georg-Friedrich Haendel, Jean-Philippe Rameau et Domenico Scarlatti.

Le choix de ces trois compositeurs, avec GF Haendel ouvrant et clôturant le concert, était particulièrement judicieux. Racha Arodaky nous a permis de comprendre la différence de climats, de couleurs entre ces trois compositeurs, d'ailleurs pratiquement nés la même année (seul Jean-Philippe Rameau, né en 1683, était de deux ans l'ainé de ses deux contemporains allemand et italien).

Le premier volet du concert, dédié aux suites en suites N°5 en mi mineur HWV 438 et N°6 en sol mineur HWV 439 de GF Haendel, initie le concert sous le signe de tout ce qui constitue l'essence de compositions pour clavier du compositeur allemand. Racha Arodaky révèle avec une finesse rare les splendides couleurs de ces sonates, avec le parti pris d'une approche intimiste, délicate.

On notera la très belle version de la suite N°6 en sol mineur HWV 439 cahier N°2, notamment l'Allemande d'introduction, d'une gravité mais aussi d'une grandeur inouies. Racha Arodaky nous rappelle judicieusement au piano moderne, avec les nuances que ce dernier permet, que GF Haendel était aussi un excellent organiste. La majesté avec laquelle cette Allemande se déploie rappelle inévitablement l'ampleur quasi-orchestrale de l'orgue. L'opposition main droite / main gauche sur cette Allemande fait aussi invariablement penser au chant, à une aria, incarnée par la main droite, dont le thème est repris par l'orchestre, les graves, jouées à la main gauche. Racha Arodaky imprime une tension impressionnante à ce mouvement, due en grande partie à un tempo assez allongé qui apporte comme une sorte de questionnement. On reste accroché au déroulement du superbe motif de ce mouvement du début à la fin.

Le concert se prolonge avec la suite en la mineur de Jean-Philippe Rameau, plus nerveuse, et qui se déroule comme un aiguillon, dont les tonalités plus vives, viennent en contraste avec le clair obscur et les couleurs fondues des suites de GF Haendel.

En troisième partie, Racha Arodaky nous transporte ensuite dans sa lecture sensuelle et délicate des sonates pour clavier de Domenico Scarlatti (sonates en fa mineur K 466, en do majeur K 159, en la majeur K208 et en ré mineur K1). On ne peut que se laisser séduire par la sublime sonate en fa mineur K 466 qui incarne à merveille cette capacité de Racha Arodaky à nous plonger dans une sorte de douceur contemplative.  Avec un jeu gracile, et une grande finesse de toucher, elle donne à ces sonates de splendides couleurs et instaure un climat au charme envoutant. Avec un jeu nécessairement plus articulé que pour GF Haendel, Racha Arodaky nous permet de savourer les belles couleurs méditerranéennes de la musique de Domenico Scarlatti et on sent une réelle intimité avec l'univers du compositeur napolitain.

Le concert se termine par deux suites de Haendel qui s'inscrivent plus, quant à elles, sous le signe de la virtuosité (suite N°5 en mi majeur HWV 430, et suite N°8 en fa mineur HWV 433). Racha Arodaky s'affranchit sans encombres des mouvements les plus difficiles, aussi bien musicalement que techniquement, qu'il s'agisse de la fameuse variation dite de l’Harmonieux forgeron de la sonate en mi majeur, que de la Fugue de la sonate en fa mineur.

En bis, outre le rappel de sa version de la sonate en fa mineur de Scarlatti et dont on ne se lassera jamais, Racha Arodaky fait preuve d'une audace aussi rare que rafraichissante dans le monde de la musique dite classique.

L'un des bis n'est autre que l'accompagnement au piano, sur une pièce de GF Haendel, d'une poésie arabe déclamée par Fadhel Messaoudi qui a rejoint la pianiste sur scène pour l'occasion. Cette magnifique tentative (déjà présentée au public dans le cadre d'un concert à la Fenice) de la rencontre de deux mondes que finalement beaucoup de points rapprochent, s'avère être une superbe expérience humaine et musicale. Les mélismes de Fadhel Messaoudi, raisonnent comme un plainte, que les notes délicatement distillées par le piano, viennent ponctuer. L'intensité émotionnelle de ce duo a indéniablement interpelé le public, et plongé la salle dans un silence impressionnant.

L'avant dernier bis était quant à lui des plus improbables mais d'un charme fou, avec Racha Arodaky se lançant dans le "Do it again" (George Gershwin), immortalisé par Marilyn Monroe, et s'accompagnant au piano. Clin d'œil malicieux et d'une sensualité qui n'avait rien à envier à la blonde américaine !

Le bis final, revenait aux maîtres baroques, et, inévitablement à JS Bach, avec la transcription de l'Andante de la deuxième sonate pour violon seul. L'ampleur là encore quasi orchestrale que prend le piano, rappelle inévitablement, les grandes compositions pour orgue.

Très beau concert, d'une artiste authentique et dont la générosité et la sincérité sont suffisamment rares pour être soulignées. Dans ma note du 28 septembre 2009, après avoir écouté en avant-première des extraits du disque enregistré par Racha Arodaky et consacré à des Suites de GF Haendel, j'avais déjà fait part de mon enthousiasme sur la façon dont Racha Arodaky poursuit son exploration de la musique des compositions baroques pour clavier.

A l'écoute complète du disque, sorti depuis maintenant environ un mois, je confirme à quel point cet enregistrement est une belle réussite. Comme pour le JS Bach de Murray Perahia, à l'issue d'une audition de ce disque de Racha Arodaky, on ressent une impression de sérénité et de plénitude rares. Ce disque fait indéniablement partie de mes coups de cœur 2009.

GF Haendel - Suites pour clavier - Racha Arodaky, piano - label air note.

Coup de cœur sur les quatuors de Haydn par le Jerusalem Quartet

Pour faire écho à ma note du 20 septembre 2009, en réécoutant le deuxième disque consacré aux quatuors de Joseph Haydn par le Jerusalem Quartet, paru cette année chez Harmonia Mundi, je ne peux m'empêcher de l'évoquer à nouveau dans ce blog, en ajoutant la référence du coup de cœur du poisson rêveur.

Pour vous permettre d'apprécier l'élégance et la haute tenue de ce quartet sur la beauté de la musique de chambre de Joseph Haydn, je vous propose cette vidéo tirée de youtube consacrée au premier mouvement du quatuor opus 20 N°5 en fa mineur (Allegro moderato).

Joseph Haydn - Quatuors op.20/5 Hob.III:35 (fa mineur), op.33/3 Hob.III:39 (do majeur) ("l'Oiseau) et op.76/5, Hob.III:79 (ré majeur) - Jerusalem Quartet - Label Harmonia Mundi.

Morceau choisi N°27 : valse de la Sérénade pour cordes en ut majeur opus 48 de Tchaïkovsky

C'est sans doute l'interprétation par Herbert von Karajan de la valse de la Sérénade pour cordes opus 48 de Piotr Ilitch Tchaïkovsky qui m'a initié à l'écoute de la musique classique. Cette version où le chef autrichien dirigeait l'Orchestre Philharmonique de Berlin, éditée par Deutsche Grammophon, était souvent écoutée par mon père et je me la repassais également en boucle, à l'âge de huit ans.  Elle a été récemment rééditée en CD, couplée avec la sérénade opus 22 d'Anton Dvořák.

Cette valse, typique de l'écriture de Tchaïkovsky, marque tout de suite les esprits par son élégance et son caractère particulièrement aérien. Les sonorités soyeuses et la plasticité extraordinaire du Philharmonique de Berlin, surtout sous la baguette d'Herbert von Karajan, servent cette valse à merveille.

J'ai écouté très récemment sur France Musique, lors du Magazine de Lionel Esparza du 27 octobre dernier, consacré au chef italien Daniele Gatti, une version dirigé par ce dernier avec le Royal Philharmonic Orchestra, encore plus saisissante avec des tempos allongés et une dynamique incroyable (label Harmonia Mundi). La sérénade est couplée avec la 6ème symphonie dite Pathétique.

Je vous propose de l'écouter ci-dessous.

Edition de la revue Classica pour les non voyants

 

En collaboration avec le GIAA (Groupement des Intellectuels Aveugles ou Amblyopes), la Fondation Orange enregistre l'intégralité des articles de chaque numéro de la revue Classica, y intégrant les extraits de disques distingués par les Chocs Classica du mois. Cet enregistrement, effectué à deux voix, est fourni aux adhérents du GIAA sous le format audio DAISY (Digital Accessible Information SYstem), protocole permettant une navigation aisée et fournissant une ergonomie particulièrement adaptée aux aveugles et mal voyants.

Je tiens à saluer cette initiative qui permet aux non voyants de bénéficier d'un accès à un excellent média dédié à la musique classique, restant ainsi au cœur de l'actualité musicale.

Récital de Racha Arodaky le 16 novembre 2009 à l'Athénée (Haendel - Rameau - Scarlatti)

Je vous propose la vidéo suivante, tirée du DVD qui accompagne le disque Haendel de Racha Arodaky, est auquel j'ai modestement contribué en tant qu'interviewer. Vous pourrez y cerner le caractère et la sensibilité de la pianiste ainsi que la pertinence de ses choix. Vous pourrez aussi l'écouter jouer le Menuet en sol mineur de la suite N°1 (cahier 2).

Racha Arodaky jouera une bonne partie des suites de son enregistrement lors du Récital qu'elle donnera le lundi 16 novembre au Théâtre Athénée-Louis Jouvet, à 20h, à Paris. Location auprès du Théâtre de l'Athénée : 01 53 05 19 19.

Les coulisses de la 18ème Nuit de la voix de la Fondation Orange

Je vous propose dans cette note la vidéo du "making of" de la 18ème Nuit de la voix que la Fondation Orange a organisée le 23 juin 2009. Elle vous permettra de découvrir les coulisses de cette soirée. Je remercie la Fondation Orange de m'avoir fourni ce lien vers la vidéo.

Série limitée sur l'intégrale des cantates de JS Bach par Maasaki Suzuki (suite)

Pour faire suite à ma note du 5 septembre 2009, consacrée à l'édition spéciale des volumes I et II regroupant les 20 premiers enregistrement des cantates de JS Bach par l'ensemble Bach Collegium Japan, sous la direction de Masaaki Suzuki, les volumes III et IV viennent tout juste de paraître en France.

Un volume spécifique regroupe en outre la Messe en si mineur, les Passions selon Saint-Jean et Saint-Mathieu, ainsi que l'Oratorio de Noël.Je vous recommande à nouveau de vous procurer ainsi les 40 premiers disques d'une intégrale des en cours des cantates du Cantor et qui constitue l'ensemble le plus cohérent et le plus pertinent que je  connaisse.

Il est important de saluer cette belle initiative du label BIS qui signe là un travail éditorial exemplaire et démontre une fidélité à ses interprètes sur des projets d'une telle durée et particulièrement rare pour être soulignée.

Sinfonias et concertos de Johann Friedrich Fasch

Le label Phoenix Edition (collection WDR - The Cologne Broadcast), distribué par Abeille Musique, permet de faire une découverte intéressante avec le disque consacré à des sinfonias et concertos de Johann Friedrich Fasch. Ce compositeur allemand, qui aurait notamment exercé une influence sur l'écriture concertante de JS Bach, tient notamment sa réputation à une écriture particulièrement agile pour les instruments à vents.

L'intérêt de ce disque réside aussi dans le fait que trois chefs différents (Hanns-Martin Schneidt, Hans-Martin Linde et Günther Wich) ont contribué à la direction du même orchestre (la Cappella Coloniensis). L'écoute attentive de ce disque révèle alors de telles différences de style d'interprétation que l'on en vient à se demander si les œuvres interprétées viennent du même compositeur, indépendamment des différences de climats indéniables d'une oeuvre à l'autre.

J'ai pour ma part été convaincu principalement par la direction d'orchestre enlevée et nerveuse de Hans-Martin Lindesur le concerto pour flûte, hautbois, cordes & basse continue en sol majeur (tracks 7 à 9). Elle contraste nettement avec les approches plus académiques et un peu "empruntées" des autres chefs.

Il faut tout de même noter, à la décharge des chefs en question que, notamment, l'ouverture en mi mineur ainsi que la Sinfonia en la majeur ont un caractère solennel difficilement contournable.

Extrait du concerto pour flûte, hautbois, cordes & basse continue en sol majeur (premier mouvement, allegro) :

 
Johann Friedrich Fasch - Sinfonias et concertos - Cappella Coloniensis - Direction : Hanns-Martin Schneidt, Hans-Martin Linde et Günther Wich - label WDR - The Cologne Broadcasts.

Aux Pieds du Roy mènent la danse avec Marin Marais

Edité par le Festival D’Ambronay, ce disque propose une série de suites pour flûtes, violon et dessus de viole de Marin Marais enregistrées par l’ensemble Aux Pieds du Roy.

Au nombre de cinq, les suites enregistrées sur ce disque, dont la pochette de disque ne manque pas de second degré, sont de petites merveilles de poésie et de raffinement. Elles traduisent surtout une grande variété de climats et de formes. Presque toutes celles de la danse y sont d’ailleurs explorées et Marin Marais y confirme l’expressivité et la subtilité de son écriture.

Je vous renvoie à la chronique que j'ai faite sur ce disque pour ClassiqueInfo-disque.com.

Court extrait (Fantaisie de la suite en mi mineur) :

Marin Marais - Pièces en trio pour les flûtes, violon et dessus de viole- Paris, 1692 - Ensemble Aux Pieds du Roy - Label Ambronay Edition.

Rencontre avec Raphaël Pichon, Directeur musical de l’ensemble Pygmalion

J’ai rencontré Raphaël Pichon, Directeur musical de l’ensemble Pygmalion. Nous avons évoqué son approche du répertoire baroque, notamment la musique sacrée, ainsi que ses projets.

Un très bel enregistrement que vous avez réalisé des messes brèves BWV 234 et 235 de JS Bach chez Alpha a été salué par la critique, soulignant notamment la maturité étonnante de votre interprétation. Quels sont, selon vous, les ingrédients de la réussite de ce projet ?

Raphaël Pichon : les musiciens de notre génération ont eu la chance d’avoir des aînés qui ont énormément apporté sur les règles d’interprétation de la musique baroque, notamment le répertoire sacré, depuis plus de trente ans. Ils ont eu besoin de s’approprier ce répertoire, de le comprendre, de maîtriser les spécificités vocales, instrumentales ou encore celles de  la rhétorique. Nous arrivons ensuite avec la chance extraordinaire d’avoir grandi baignés dans ces principes, en ayant bénéficié de leur enseignement, écouté leurs disques comme leurs concerts. Avec ces acquis, Nous donnons ainsi à entendre une approche je l’imagine relativement neuves qui sont plus liées à l’interprétation en tant que telle, à savoir, les couleurs, les tonalités que l’on veut révéler à la lecture de ces œuvres.

Comment expliquez-vous cette orientation pour le répertoire sacré, notamment celui de JS Bach, alors qu’il a déjà été de nombreuses fois exploré ?

R.P. : la révélation s’est faite pour moi à l’âge de onze ans, alors que je faisais partie de la Maîtrise des Petits Chanteurs de Versailles. C’est l’interprétation comme choriste de la Passion selon Saint-Jean de JS Bach qui a constitué le déclic, plus particulièrement le chœur qui ponctue la Passion (« Ach Herr, lass dein lieb Englein am letzten End die Seele mein in Abrahams Schoss tragen ») presque comme un hymne à la joie, porteur d’une espérance exprimée d’une façon tellement intense. Cette joie sensorielle, cette sorte d’idéal de construction est un ressort important dans ma lecture de ce répertoire.

Cette sorte d’énergie positive, d’élan irrésistible se ressent bien dans votre interprétation des messes brèves. On est également marqué par les couleurs, et, surtout, la plénitude sonore avec un équilibre intéressant entre le chœur et l’orchestre

R.P. : remettre le chœur au centre du dispositif est vraiment une préoccupation majeure dans notre interprétation du répertoire sacré, notamment celui de JS Bach. En France, on a trop pris l’habitude par le passé de cantonner le chœur à un rôle d’appui dans la musique ancienne, finalement presque secondaire par rapport à une masse orchestrale toujours plus imposante. Pour notre enregistrement des messes brèves, nous avons remis le chœur à position égale avec l’orchestre, notamment au niveau de la perception sonore. Tout en gardant une clarté indispensable de la ligne, ceci permet d’atteindre une plénitude sonore qui sert encore mieux l’exaltation, la lumière que ces œuvres doivent transcrire. Mon expérience de chanteur m’aide peut-être aussi à rééquilibrer la place du chant choral par rapport à l’interprétation instrumentale.

On ressent également une véritable spontanéité, un vrai plaisir que peuvent avoir des musiciens à jouer ensemble

R.P. : c’est la philosophie même de l’ensemble Pygmalion. A l’origine, nous avions créé ce groupe essentiellement pour le plaisir de jouer de la musique ensemble. Ce sont tous des amis qui partagent avec moi cette volonté de faire émerger la lumière, la joie, le sourire dans la musique, y compris dans des répertoires qualifiés de plus graves. Nous avons tous des parcours assez différents, des musiciens de notre ensemble pratiquement en parallèle la musique sur des répertoires très différents (comme la musique de chambre ou la musique contemporaine). Pour ma part, je participe en tant que chanteur à l’ensemble les Cris de Paris, dirigé par Geoffroy Jourdain. Ces autres activités musicales, très différentes, contribuent à enrichir notre lecture de la musique et évite de nous enfermer dans des automatismes ou un « formatage » lié à un répertoire particulier.

La lumière, la joie sont en effet des traits caractéristiques de vos interprétations du répertoire sacré. C’était à nouveau assez marquant dans le concert que vous aviez donné à l’Eglise des Blancs-Manteaux le 24 mars 2009 et consacré à des cantates et odes de musiciens luthériens du XVIIème siècle (Schütz, Buxtehude, Bruhns). Appelé « Ode Funèbre », le concert révélait finalement des couleurs bien plus claires qu’on aurait pu le penser

R.P. : c’est justement l’option que nous avons adoptée pour ce concert. Nous ne faisons pas autre chose que de nous inscrire dans la liturgie de l’Eglise luthérienne pour lequel le mystère de la mort s’interprète toujours avec l’espérance, la joie liée au salut en ligne de mire.

La tonalité de sol majeur du « Selig sind die Toten » de Heinrich que nous avions interprété ce soir-là ne symbolise-t-elle pas l’ouverture vers les portes du Paradis ?

Quels sont vos projets pour 2010 ?

Tout d’abord au disque, nous clôturons chez Alpha le cycle d’enregistrement des messes brèves de JS Bach avec les messes BWV 233 et 236. Ces dernières ont déjà été données en concert au Festival de Saintes cet été, ainsi qu’au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles (le BOZAR) le 15 octobre dernier. Dans la continuité des messes brèves, nous avons un projet de concert centré sur la première version de la Messe en si (édition de Dresde, 1733) avec la tentative d’apporter un éclairage nouveau, grâce à la mise en regard de la Missa dei Filii de Jan Dismas Zelenka, écrite pour le même orchestre de Dresde quelques années plus tard.

Nous avons également un projet de concerts itinérants, alternant des pièces sacrées de JS Bach avec des Motets de toute la famille Bach, de Johann Bach à Carl Philipp Emanuel Bach. Une édition monumentale des œuvres de CPE Bach est en train d’ailleurs d’être éditée et nous allons certainement y dénicher quelques trésors.

Enfin deux projets me tiennent particulièrement à cœur, compte tenu de leur portée et leur ambition.

Le premier projet concerne l’interprétation inédite d’une œuvre lyrique par l’ensemble Pygmalion. Il s’agira d’associer musique et théâtre autour du mythe de Venus et d’Adonis, avec le même thème exploré et par John Blow dont le Vénus et Adonis date de 1683, et par Marc Antoine Charpentier, avec les Amours de Vénus et Adonis, datant quant à eux de 1685. Cette version sera complétée de vers burlesques tirés de l’Art d’Aimer d’Ovide, joués par Michel Fau, qui tiendra le rôle d’une sorte de Testo, fil conducteur du drame joué devant nous.

Le second projet, assez ambitieux et expérimental, a pour objectif d’associer au concert des cantates de JS Bach avec une commande d’une œuvre sacrée écrite par des compositeurs d’aujourd’hui, que l’on interprétera sur instruments anciens. Ces œuvres s’inscriront comme pendants des Cantates de JS Bach, notamment autour de la même thématique. Nous avons commandé au compositeur Vincent Manac’h l’écriture de la première de ces pièces, intitulée Le Chant des Nuages, en regard des cantates BWV 8 et 27.

Ceci s’inscrit je le crois dans la problématique d’un ensemble comme le nôtre. En effet, nous devons continuellement nous poser la question sur ce que doit être le projet artistique d’un ensemble Baroque en 2009. Ce projet d’associer la musique d’aujourd’hui à une interprétation sur instruments anciens, avec leurs couleurs si spécifiques, tente d’apporter une réponse.

Après un travail de près de trois mois de laboratoire et de travaux spécifiques avec le compositeur, ce projet se matérialisera par un premier concert le 20 juin 2010, dans le cadre des concerts rencontre organisés sur le lieu de résidence de l’ensemble Pygmalion à Ivry sur Seine.

Raphaël Pichon bénéficie du soutien de la Fondation Orange.

Qobuz diffuse son premier concert Internet live le 26 octobre

Lundi 26 octobre dernier, le service global de musique en ligne Qobuz diffusait son premier concert en direct sur son portail, en vidéo HD. Il s'agissait du pari (audacieux et à saluer) de diffuser un concert hommage à Robert Wyatt, en direct du Théâtre Marigny et interprété par l'Orchestre National de Jazz, sous la Direction Musicale de Daniel Yvinec. Ce concert intégrait également des créations vidéos d'Antoine Carlier.

Si vous êtes membre Qobuz, il vous est possible d'assister à ce concert enregistré et diffusé en streaming sur le portail. Encore faut-il accrocher à une diffusion de 48 minutes de la musique "circulaire" de Robert Wyatt. Je vous laisse apprécier.

Ce concert fait écho à l'album Around Robert Wyatt, enregistré par l'Orchestre National de Jazz et qui a remporté un franc succès (label Bee Jazz / distribution Abeille Musique).

Le son de cette diffusion Internet est d'excellente qualité, avec une très bonne diffusion spatiale et un piqué assez rares pour être soulignés.

Bravo à Yves Riesel et ses équipes pour le lancement de ce service prometteur. En attendant le prochain concert.

Lien vers la page de diffusion du concert.

Sept excellents chanteurs au service d'une interminable Armida

Concert samedi 10 octobre à la Salle Pleyel. Rinaldo Alessandrini, à la tête du Concerto Italiano, donne une représentation d'Armida, d'Antonio Vivaldi, en version concert. Il est accompagné d'un septuor de chanteurs au niveau assez éblouissant, tous italiens et maîtrisant en conséquence admirablement le phrasé lié au livret écrit par Giovanni Palazzi.

Parmi la vingtaine d'opéras italiens écrits par Vivaldi et exhumés de la Bibliothèque de Turin (sur un total que l'on estime sans doute à une cinquantaine), Armida al campo d'Egitto (Armide au camp d'Egypte) s'est avéré incomplet et a demandé un travail minutieux de reconstitution du deuxième acte.

La version intégrale, comprenant cette reconstitution réalisée par Rinaldo Alessandrini et Frédéric Dalamea était présentée samedi 10  octobre à Pleyel. Les trois actes se déroulent sur une durée totale d'un peu plus de trois heures, dont une partie significative est constituée de récitatifs.

De surcroît sur une version concert, ces récitatifs, s'ils ont la vertu de préserver l'intégrité de l'oeuvre et s'ils permettent de suivre l'intrigue particulièrement sinueuse, ont tout de même l'inconvénient majeur de s'avérer interminables et, je trouve, de moins en moins adaptés à la façon dont le public d'aujourd'hui écoute et perçoit ces œuvres.

Gérard Lesne avait eu l'audace de supprimer une bonne part des récitatifs dans le superbe enregistrement qu'il avait fait de Sedecia, re di Gerusalemme, oratorio d'Alessandro Scarlatti, avec l'ensemble Il Seminario Musicale (où l'on pouvait découvrir un certain... Philippe Jaroussky dont c'est certainement le premier disque). L'œuvre ainsi interprété gagne ainsi en densité et intensité.

Cela aurait pu aussi être le cas d'Armida. La seule limite toutefois étant de laisser alors peu de temps aux chanteurs pour se "ressourcer", compte tenu de la virtuosité diabolique des arias vivaldiennes. N'oublions pas que l'on est en concert et en temps continu, contrairement aux enregistrements.

Le concert du 10 octobre était en tout cas d'une très haute tenue (à l'exception du premier violon de l'ensemble qui ne me semble pas toujours juste, et ce n'est pas la première fois que j'ai cette impression). Le niveau des chanteurs était indéniablement excellent : Sara Mingardo (Armida), Furio Zanasi (le Calife), Monica Bacelli (Osmira), Raffaella Milanesi (Erminia), Marina Comparato (Emireno), Romina Basso (Adrasto), Martin Oro (Tisaferno). Seul Furio Zanasi, plutôt spécialisé d'habitude sur le répertoire de la musique ancienne italienne, excellent interprète monteverdien, semblait moins à l'aise sur les doubles et triples croches du prêtre roux. Il faut dire que le personnage qu'il campait, le Calife, roi d'Egypte, un peu falot et pontifiant, ne constitue pas vraiment une source de surpassement de l'art vocal. L'illustration de ce trait de caractère est l'aria qui clôture le deuxième acte où la voix du baryton est doublée avec un basson, sur un rythme appuyé et aux origines populaires et folkloriques indéniables.

On notera, au dessus du lot, outre la sublime Sara Mingardo au timbre androgyne unique et à la classe indéniable, une Monica Bacelli dont l'agilité vocale est confondante, et une Marina Comparato, dans le rôle important du Général Emireno, avec une voix bien timbrée, un phrasé travaillé digne d'une Bartolli et un sacré tempérament. Enfin, sur une des arias les plus sublimes de cet opéra, à la fin du premier acte, le contre-ténor Martin Oro a visiblement ému la salle par son interprétation fine et sensible, même si techniquement, on rêvait plutôt d'un Philippe Jaroussky...

L'opéra monte en intensité au fil des actes. Après un premier acte finalement assez ennuyeux, les deuxième et troisième actes déploient de véritables feux d'artifices vocaux qui poussent, crescendo, les interprètes aux limites.

La distribution homogène et la cohérence de bout en bout de la direction musicale font de cette interprétation une indéniable référence. A quand une version au disque avec la même distribution ?

Intégrale des cantates de JS Bach par Masaaki Suzuki : volume 41

Le volume 41 de l'intégrale des cantates de JS Bach que Maasaki Suzuki enregistré chez Bis avec le Bach Collegium Japan est consacré à quatre cantates pour solistes.

Concernant les voix, Masaaki Suzuki a procédé à des choix différents de ceux que proposait jusqu'ici la discographie habituelle. C'est particulièrement le cas de la fameuse Cantate "Ich habe genug" BWV 82, souvent interprétée par une basse ou un ténor et dont le chef japonais a choisi une version pour soprano avec la magnifique voix de Carolyn Sampson.

Ce volume 41 est particulièrement réussi car il associe deux contributeurs solistes marquants dans cette intégrale. Tout d'abord Peter Kooij, qui aura pour l'instant contribué à quasiment chacun des enregistrements. Mais également, comme indiqué précédemment, la soprano anglaise Carolyn Sampson, dont j'ai vanté plusieurs fois dans le blog les qualités musicales et la beauté du timbre (cf. note du 1er septembre 2006).

Ces deux chanteurs, modèles d'équilibre et de maîtrise du phrasé, permettent de restituer une belle cohérence et homogénéité sur les quatre cantates enregistrées (BWV 56, 82, 158, 84).

D'aucuns pourraient penser que le timbre solaire et la belle limpidité de la voix de Carolyn Sampson ne seraient pas tout à fait adaptés aux couleurs assez sombres et à l'expressivité que demandent certaines de ces cantates. Le choix de Masaaki Suzuki est tout à fait respectable car il repose sur une démarche musicologique et esthétique cohérente et toujours d'une grande humilité sur ce corpus.

Contrairement aux volumes précédents, consacrés à des cantates chorales d'une certaine ampleur, le registre dans ce dernier est plutôt  celui de l'intimité et de l'introspection.

Lien direct vers le site du label BIS pour en savoir plus.

Je vous propose d'écouter un court extrait de l'aria d'introduction de "Ich habe genug" dans cette  version de Masaaki Suzuki avec Carolyn Simpson, introduite à la flûte, comparée à celle, légendaire,  de Frans Brüggen et Max van Egmond (avec le Barock-Ensemble), introduite au hautbois (enregistrement de 1977 / label SEON - ex RCA Victor).

Version de Masaaki Suzuki / Carolyn Sampson

Version de Frans Brüggen / Max van Egmond

JS Bach - Cantates BWV 56, 82, 158, 84 - Bach Collegium Japan - Direction Masaaki Suzuki - Carolyn Sampson (soprano), Peter Kooij (basse) - label BIS.

Racha Arodaky invitée par Frédéric Lodéon sur France Inter

Racha Arodaky était l'invitée de Frédéric Lodéon lors de son émission "Carrefour de Lodéon " aujourd'hui mardi 20 octobre à 16h30. L'entretien a permis à Racha Arodaky de présenter sa vision de l'interprétation de Haendel, et plus généralement du répertoire baroque au piano moderne, avec un enthousiasme communicatif et une belle sincérité. Frédéric Lodéon a diffusé de nombreux extraits des différents compositeurs que la pianiste a également enregistrés (Scarlatti, Mendelssohn et Scriabine).

Lien vers le site de l'émission avec le détail des pièces diffusées et permettant d'écouter la version archivée.

Je vous propose ci-dessous un extrait de l'émission qui permet de découvrir deux facettes différentes de l'interprétation de Haendel par Racha Arodaky. Bonne écoute.

Rencontre avec Jean-Marc Bador, Directeur Général de l'Ensemble Orchestral de Paris

J'ai rencontré Jean-Marc Bador, directeur Général de L'Ensemble Orchestral de Paris. Nous avons évoqué les temps forts de la saison 2009 / 2010 ainsi que les nouveaux projets de cet ensemble.

L'Ensemble Orchestral de Paris tient une place particulière dans chaque saison musicale en revendiquant une lecture plus "chambriste", notamment sur le répertoire symphonique et concertant. Comment se traduit-elle concrètement dans la saison ?

Jean-Marc Bador : l'Ensemble Orchestral de Paris revendique en effet son statut d'orchestre de chambre avec une attention toute particulière, non seulement portée sur le répertoire symphonique et concertant classique qui avait été, à l'origine, composé pour ce type de formation, tant au XVIIème sièce qu'au XIXème siècle (formations de type Mannheim), que sur celui de la musique d'aujourd'hui.

Cette année, après l'empreinte laissée par les chefs qui ont forgé l'identité sonore de l'ensemble, dont le dernier en date, John Nelson, qui a assuré la direction musicale de l'ensemble pendant près de dix ans, nous initions une approche un peu différente avec des artistes associés qui contribueront chacun a apporter encore des couleurs différentes à notre orchestre.

Nous continuerions à développer la contribution de l'Ensemble Orchestral de Paris à un répertoire plus axé sur la voix, notamment les oratorios, et à tenter de décloisonner les œuvres comme les lieux.

Pour cela, nous disposons sur cette saison de contributeurs précieux pour soutenir cette approche esthétique : Joseph Swensen, chef invité, mais aussi excellent violoniste, nommé pour deux ans comme chef de l'Ensemble, Laurence Equilbey avec l'Ensemble Accentus, qui contribuera à notre acte de foi consistant à placer l'Ensemble Orchestral de Paris comme ensemble porte parole de la voix, et Nicolas Bacri, premier compositeur à nous joindre en résidence, et dont l'impulsion est majeure dans l'exploration de la musique d'aujourd'hui.

La participation de Deborah Nemtanu, talentueuse jeune violoniste, comme violon solo super soliste de l'Orchestre est aussi à retenir sur cette saison, avec de très beaux concerts en perspective, comme l'interprétation du double concerto en ré mineur de JS Bach avec Joseph Swensen, le 8 décembre 2009 au Théâtre des Champs-Elysées.

Quels sont les temps forts de la saison 2009 / 2010 ?

J.M. B : un évènement important est la venue du jeune et très prometteur chef Pekka Kuusisto, également violoniste, avec, le 12 janvier 2010, un programme JS Bach (partita N°1 en si mineur pour violon seul et concerto pour violon, hautbois et orchestre) , Joseph Haydn (Symphonie N°88 en sol majeur), mais surtout la création du concerto tenebroso N°3 "l'hiver" pour hautbois, alto et orchestre de Nicolas Bacri, avec le hautboïste François Leleux.

On notera également, le 1er juin 2010, l'interprétation du double concerto pour violon et violoncelle de Johannes Brahms avec le violoniste Sergei Khatchatryan, accompagné par Claudio Bohorquez au violoncelle (sous la direction de Thierry Fischer).

Enfin, un moment qui sera très attendu, à savoir la direction de la symphonie N°5 en ut mineur ainsi que l'interprétation et direction d'orchestre du concerto pour violon de Ludwig van Beethoven par Maxim Vengerov, le 16 juin 2010, dans le cadre du Festival de Sain-Denis, manifestation avec laquelle nous collaborons étroitement depuis plusieurs années.

Sans parler de rencontres inédites, dont certaines pour le moins inattendues comme Massaki Suzuki avec Renaud Capuçon...

Lorsque je parlais de "décloisonnement", l'organisation de la rencontre d'artistes dont rien ne pouvait faire penser qu'ils puissent jouer un jour ensemble, fait partie de cette démarche. Masaaki Suzuki, chez japonais connu pour son impressionnante intégrale en cours des cantates de JS Bach avec le Bach Collegium Japan, dirigera Mozart (ouverture de Don Giovanni et la Symphonie concertante en mi bémol majeur pour violon, alto et orchestre) avec Renaud Capuçon (violon) et Antoine Tamestit (alto), CPE Bach (la Sinfonia n° 5 en si mineur) et Mendelssohn (Symphonie n° 8 en ré majeur) le 18 mai 2010 au Théâtre des Champs-Elysées.

Pouvez-vous également nous parler des missions culturelles de l'Ensemble Orchestral de Paris et dont l'objectif est de développer encore plus de proximité avec le public ?

J.M. B : il s'agit ici de notre démarche citoyenne avec l'accentuation de notre enracinement sur notre région, notamment sur Paris. Ceci est surtout matérialisé par les mini-résidences que nous avons mises en place dans différents arrondissements de Paris. Nous développons ainsi des projets pédagogiques avec les écoles, où nos artistes viennent à la rencontre des élèves, pour leur expliquer leur métier, où nous intégrons, lors de répétitions, des enfants au sein même de l'orchestre, pour leur permettre de cerner de façon encore plus directe et intime le travail sur l'interprétation musicale. Nous organisons également des mini-concerts chez l'habitant, mettons en place des mini-évènements musicaux dans des quartiers. Nous animons des ateliers pour le public dont l'accès à la musique n'est pas possible dans des conditions normales (personnes hospitalisées, jeunes handicapés...).

La première manifestation que nous avons organisée, était le dimanche 27 septembre, avec le concert d'ouverture de la mini-résidence du XXème arrondissement, au Théâtre de Ménilmontant et où intervenaient Deborah Nemtanu et Grand Huit - Orchestre vocal.

Cette démarche fait partie de notre façon d'être un orchestre autrement, avec plus de proximité et une dimension humaine importante, en plus de la pure vocation musicale de notre ensemble.

Les prochains concerts de l'Ensemble Orchestral de Paris sont les suivants : Théâtre des Champs-Elysées le mardi 20 octobre 2009 à 20h (programme Chostakovitch et Mozart), Salle Cortot, le samedi 24 octobre 2009 à 17 h 30 - Concert en hommage à Catherine Giardell (programme Mozart et Bacri), Théâtre des Champs-Élysées le vendredi 6 novembre 2009 à 20h (programme Prokofiev, Haydn, Dutilleux, Fauré, Stravinski, Chostakovitch), sous la Direction de Joseph Swensen et la participation notamment d'Henri Demarquette, violoncelle, Anne Gastinel, violoncelle, Xavier Phillips, violoncelle, Mikhaïl Rudy, piano.

Musique du XVIIIème siècle à Prague

Cette note initie une rubrique du poisson rêveur, en collaboration avec Abeille Musique, et consacrée à quelques belles découvertes, notamment sur des labels moins connus que les "majors".

La première note de cette catégorie est consacrée à un disque très intéressant édité par le label tchèque Supraphon et dédié, en majeure partie au compositeur Václav Gunther Jacob. Les pièces regroupées dans cet enregistrement sont des œuvres sacrées, écrites au XVIIIème siècle et dans la veine des grands compositions allemandes et autrichienne.

Les compositions de Václav Gunther Jacob ressortent après une longue période d'oubli. Il était l'un des compositeurs tchèques les plus importants du XVIIIème siècle avec un rayonnement certain au sein de la communauté catholique d'Europe Centrale.

A l'écoute de ce disque, on sera marqué par un style révélant une certaine spontanéité. Ses œuvres sacrées sont assez lumineuses, investies par une certaine ferveur, même si l'exaltation reste tout à fait contrôlée et n'a rien de théâtral.

On notera, parmi les pièces de ce disque, la très belle Missa Dei Filii avec un Kyrie en deux parties révélant une inventivité indéniable. Le Gloria, quant à lui, introduit d'ailleurs par un très court plein chant, est d'une finesse exquise. A noter, le superbe Cum Sancto, mouvement en fugue, aérien et d'une belle intensité qui ponctue quant à lui le Gloria avec une certaine gravité.

La présentation des pièces sacrées de ce compositeurs s'effectue en alternance avec des concertos de Valentin Rathberger.

L'ensemble Capella Regia Praha, dirigé par Robert Hugo, interprète ce répertoire avec un jeu toujours juste, fin et homogène.

Music from Eighteenth-Century Prague - Václav Gunther Jacob / Valentin Rathberger - Capella regia Praha - Direction Robert Hugo - label Supraphon.

Lien vers le site Abeille Musique pour en savoir plus.

Court extrait de la Missa Dei Filii - Introduction du Gloria (Et in terra) :

Digital concerts du Philharmonique de Berlin : précisions sur les conditions d'utilisation

Pour faire suite à la note du 6 octobre dernier sur les retransmissions Internet des concerts de l'Orchestre Philharmonique de Berlin ("Digital Concerts") ainsi qu'au commentaire de Morinien, il est en effet important de préciser qu'il est possible, soit de visionner un concert en direct (version "Live") et les droits payés (9,90 €) ne sont valables que pour assister à cette représentation en direct sur Internet, soit de visionner un concert archivé. Dans ce dernier cas, le montant payé permet d'écouter et visionner de concert, autant de fois qu'on le souhaite, mais uniquement pendant sur une durée de 48 heures qui suit le paiement des droits d'accès, fixés au même prix que ceux d'un concert en direct.

Racha Arodaky chez Arièle Butaux sur France Musique

Si vous voulez découvrir en avant-première la lecture que propose Racha Arodaky des suites de Haendel, je vous propose d'écouter l'émission "Les Invités d'Arièle" d'Arièle Butaux, passée dimanche 11 octobre sur France Musique à 13 heures.

Lien vers la page de l'émission.

Lien vers l'écoute de la version audio archivée de l'émission.

Vous pourrez notamment y écouter une superbe version de l'intégralité de la suite 8ème Suite en fa mineur interprétée lors de l'émission (prendre à partir du minutage 21'56''). Un avant-goût du disque dont la sortie est prévue le 15 octobre.

Les partitas de JS Bach prennent chair avec Murray Perahia

J'avais déjà titré ma note, à propos de la belle version du clavier bien tempéré de JS Bach par Vladimir Ashkenazy : "Jouer Jean-Sébastien Bach : rien ne sert d'être baroqueux". Rien ne sert forcément d'être "gouldien" non plus.

Après un splendide premier volume consacré aux partitas 2, 3 et 4, Murray Perahia vient encore plus abonder dans ce sens avec la sortie récente de l'enregistrement des partitas 1, 5 et 6 chez Sony Classical. Même naturel confondant, même place laissée au chant et, même, cette fois, à la danse. Murray Perahia donne une leçon exemplaire de retour à une musicalité s'imposant comme une évidence. Bertrand Darnoncourt, dans le dernier numéro de Classica, en comparant inévitablement Glenn Gould à Murray Perahia, oppose "le diamant à l'ivoire, la fougue et le flegme, l'instant et l'éternité".

Murray Perahia révèle en effet ces partitas sous un autre jour, sous le signe d'une sérénité et d'une hauteur de vue impressionnantes. Son toucher charnu, la plénitude sonore de son Steinway se trouvent entièrement dévoués au déploiement majestueux de la polyphonie de ces partitas, sans aucun travers, aucune faute de goût, et qui pourraient constituer les pièges typiques des interprétations sur piano moderne. A la dureté d'un travail qui serait par trop rhétorique et contraint par une approche "claveciniste", Murray Perahia oppose la respiration, l'ampleur et le rendu de nuances que permet le piano. Nul doute, comme il le mentionne lui-même, que JS Bach, ayant déjà pratiqué les tous premiers modèles de piano forte, gardait en tête ce jeu des nuances. Pourquoi alors s'en priver en asséchant l'interprétation par une vision qui serait trop axée sur la pure transparence et la netteté de la ligne polyphonique, au détriment des couleurs et de la richesse des timbres ?

La partita dont la version est emblématique de cette approche est indéniablement la superbe 6ème. Dès la Toccata d'introduction, la richesse des couleurs est impressionnante et la fugue se dévoile progressivement en atteignant une ampleur saisissante. Ensuite, les autres mouvements viennent encore contribuer à la puissance narrative de cette interprétation. Du très grand art.

Lien direct vers une interview de Murray Perahia pour Classica et qui éclaire tout à fait sur son approche esthétique et ses références musicales.

Indéniablement, comme pour 2008, ce recueil de partitas constitue un des plus beaux coups de cœur de l'année.

Court extrait (Allemande de la 6ème partita) - avec cette Allemande, si vous vous procurez le disque Haendel de Racha Arodaky, vous serez marqué(e) par la filiation naturelle entre ces deux pianistes. Racha Arodaky a été élève de Murray Perahia. Indéniable.

JS Bach - Partitas 1, 5 et 6 - Murray Perahia, piano - label Sony Classical.

 Coup de cœur du Poisson Rêveur.   

Rencontre avec Jérôme Correas, directeur musical des Paladins

Ma rencontre avec Jérôme Correas a été l'occasion de découvrir les projets musicaux de l'ensemble qu'il dirige, les Paladins, et dont la saison 2009 / 2010 s'annonce déjà bien remplie.

Comment pourriez-vous qualifier l'identité musicale des Paladins ?

Jérôme Correas : Notre ensemble s'attache surtout à travailler sur des projets musicaux dont la vocation première est le retour à un rapport plus étroit entre la musique et le texte. A titre d'exemple, cela fait plus de quatre ans que nous nous investissons fortement sur le projet de faire redécouvrir le répertoire de l'opéra comique, particulièrement approprié pour remettre en valeur la musicalité propre au texte, avec la représentation de la Fausse Magie d'André-Ernest-Modeste Gretry qui a pu être faite intégralement en Résidence à Royaumont en version concert le 20 septembre dernier.

Mon objectif est de tenter de mettre fin notamment aux préjugés sur l'opéra comique. Contrairement aux idées reçues, ce genre comprend de très belles compositions qui permettent notamment de disposer d'un matériau formidable pour travailler sur l'articulation du "parler / chanter" et exploiter tous les registres expressifs de la voix. Il faut se rappeler que jusqu'à la fin du XIXème siècle, la frontière entre le jeu d'acteur et celui de chanteur était bien plus floue qu'à notre époque. Les acteurs déclamaient et avaient appris à intégrer des intonations, une musicalité dans leur jeu. Il devient alors passionnant d'exploiter les richesses de la ligne vocale, de travailler sur les rapports texte / musique et de revenir en quelque sorte à une plus grande expressivité dans le phrasé des chanteurs.

Quelles sont, selon vous, les clés de ce retour à un plus grand équilibre du texte par rapport à la ligne mélodique ?

J.C. : Un point essentiel consiste à déjà établir une armature solide avec un orchestre très stable et régulier rythmiquement. Cette solidité du continuo est indispensable car elle constitue la fondation de l'édifice. A partir de cela, les voix viennent apporter, comme en architecture, les ornementations et les couleurs qui donnent de la chair à la musique. Le travail consiste alors à typer les caractères en accentuant certaines intonations, en en marquant de façon spécifique le phrasé. Les personnalités des différents protagonistes d'un opéra se révèlent non seulement par le texte qu'ils servent mais également par la façon dont ils le déclament, la couleur de leur voix, les « travers » de leur phrasé et que l’on aura modelés. Notre objectif est de libérer les chanteurs d'un mélodisme trop systématique et de prendre notre liberté, y compris rythmique, afin d'exploiter au mieux la musicalité des mots. Le fait d'avoir été moi-même chanteur me permet en outre de mesurer les limites de cet exercice qui doit également respecter les contraintes d'articulation et de respiration des chanteurs afin de conserver le plus de naturel possible dans l'interprétation.

Vous développez plus particulièrement ce travail sur le répertoire de l'opéra comique français alors qu'il a également toute sa portée sur les toutes premières formes du répertoire lyrique italien, en commençant par les madrigaux tardifs de Monteverdi par exemple

J.C. : En effet, nous avons interprété les derniers madrigaux de Monteverdi, ceux qui comprennent un accompagnement musical et incarnent l'aboutissement de la seconde pratique en annonçant les grandes œuvres lyriques. Nous nous attachons également au répertoire des premiers opéras baroques italiens avec un compositeur comme Francesco Cavalli, dont nous avons interprété l'opéra Xerse au Théâtre des Champs-Elysées le 29 septembre dernier. L'écriture de Cavalli représente une alchimie extraordinaire entre un lyrisme indéniable et une poésie, une finesse incroyable. On ressent un compositeur d'une grande sensibilité, restituant avec un sens du détail très spécifique les différents tourments de l'âme humaine.
 

Quels sont vos autres projets à venir ?

J.C. : Dans les toutes prochaines semaines, nous avons un beau projet consistant à interpréter la Servante Maîtresse de Giovanni Baptista Pergolese, petit joyaux, que nous interpréterons dans sa version française, en octobre, dans la Région Nord Picardie (le 4 octobre au Théâtre d’Arras et le 7 octobre au Phénix, Scène nationale de Valenciennes). L'adaptation française de cette œuvre typiquement napolitaine date de 1754. Elle nous permet d'explorer de façon idéale ce parler / chanter que j'évoquais justement. Il s'agit de la première synthèse de ce type réalisée en France au XVIIIème siècle, de tradition italienne, mais transposée dans l'esprit français. Il s'agit d'une version jouée, mise en scène par Vincent Vittoz. Nous prévoyons également des représentations de cet opéra comique en région parisienne début 2010.

Notre saison 2009 se ponctuera également par un concert dédié à des madrigaux de Claudio Monteverdi le 5 novembre au Petit Palais à Paris.

2010 sera quant  à elle initiée par un projet qui me tient particulièrement à cœur, à savoir la représentation le 8 janvier au TGP de Saint-Denis, du Couronnement de Poppée de Claudio Monteverdi, avec une mise en scène de Christophe Rauck, qui est aussi le Directeur du TGP. Nous prévoyons ensuite 29 représentations dans l'année.

Pour plus de précisions, il est possible de se connecter au site Internet des Paladins.

Cet ensemble bénéficie du soutien de la Fondation Orange.

Digital concerts : le mouvement est enclenché par le Berliner Philharmoniker

Vous avez envie de réserver un ticket pour assister à un concert de l'Orchestre Philharmonique de Berlin sans bouger de votre fauteuil préféré ? Rien de plus simple, il vous suffit de vous connecter à la page "Digital Concert" du site de cet orchestre (www.berliner-philharmoniker.de).

J'avais déjà mentionné la belle initiative d'Antoine Richard avec www.thevsessions.com. L'objectif de cette  cette dernière est de devancer une tendance de fond, à savoir, la diffusion en direct ou en différé, par video-streaming de leurs concerts par les grands ensembles orchestraux et / ou les grandes salles de concert internationales.

L'Orchestre Philharmonique Berlin a d'ailleurs déjà lancé en mai dernier une chaîne youtube particulièrement réussie.

La page "Digital Concert" de son site va encore plus loin permet en permettant d'accéder à l'intégralité de concerts archivés (ex : les saisons de Joseph Haydn, dirigées par Sri Simon Rattle) ou de réserver des concerts auxquels on assistera en direct (Live concerts / ex : le concert du 10 octobre 2009, avec le Philharmonique de Berlin dirigé par Semyon Bychkov - programme Stravinsky, Schoenberg, Shostakovitch). Dans tous les cas, le coût d'accès à un concert est de 9,90 €, avec la possibilité de le réécouter autant de fois que désiré.

Il est en outre possible de souscrire à un forfait mensuel qui permet, si j'ai bien compris, d'accéder à tous les concerts du site pendant 30 jours de façon illimitée, voire de s'abonner pour toute la saison 2009 / 2010 pour 149 €.

Au moins deux conditions me semblent indispensables pour profiter de cette "digitalisation" des concerts : un débit approprié (le site suggère de faire un "stream test" pour vous permettre de vous assurer que votre configuration informatique et Internet est compatible), disposer de bonnes enceintes car le son est Haute Définition (HD). Accessoirement, un bon écran permettra aussi de profiter des vidéos, disponibles pour la plupart en HD.

Dernier point et non des moindres, toute l'interface du site est soit en allemand, soit en anglais. Enfin les interviews, très intéressantes (ex : celle de Seiji Ozawa par l'un des joueurs de cor de l'orchestre) sont toutes en anglais. 

Je vous propose ci-dessous une vidéo tirée de la chaîne youtube de l'orchestre : extrait d'Elias (Elijah) de Felix Mendelssohn - Passage : "Der Herr ist Gott" - "Ist nicht des Herrn Wort wie ein Feuer" avec l'excellent Matthias Goerne, (baryton) - Direction Seiji Ozawa - le Rundfunkchor Berlin et l'Orchestre Philharmonique de Berlin - Enregistré à la Philharmonie de Berlin le 17 mai 2009.

J'ai rajouté le lien dans la colonne de gauche à la rubrique "Concerts sur Internet / Web TVs".

La poesia cromatica de Michelangelo Rossi : troublantes audaces harmoniques

Le dernier disque de l'Huelgas Ensemble, dirigé par Paul Van Nevel, est consacré à treize madrigaux tardifs composés par Michelangelo Rossi. Il est important de préciser qu'il s'agit de l'enregistrement d'un concert donné le 13 juillet 2008 dans le cadre du Festival de Saintes. Cette précision permettra de juger du niveau de perfection atteint par cet ensemble vocal sur le répertoire polyphonique.

Dans le cas précis, il s'agit en outre de pièces particulièrement complexes, traduisant une audace harmonique redoutable. Michelangelo Rossi, musicien surdoué (violoniste, organiste et compositeur) dépasse encore les voies déjà tracées par Gesualdo et Sigismondo d'India (son maître) dans l'exploration des dissonances, frottements harmoniques, ruptures rythmiques. Ces madrigaux, que l'on pourrait volontiers qualifier de maniéristes, figurent parmi les derniers vestiges du genre, avant l'éclosion de l'art lyrique. Ils constituent alors un aboutissement particulièrement saisissant. Dès les premières mesures, par exemple, du tout premier madrigal du disque (Per non mi dir ch'io moia), ce que l'on pourrait qualifier comme une forme d'avant-gardisme se révèle de façon envoutante et troublante. Certains chromatismes marqués, une forme de minimalisme également, annoncent indéniablement la musique contemporaine.

A ce titre, ces madrigaux, tous splendides, prennent un caractère intemporel, révèlent une magnificence qui retient systématiquement l'attention. Certaines associations audacieuses d'accords, la volonté de ne pas se laisser emprisonner par une seule tonalité lors du déroulement d'un madrigal, des changements parfois brusques de rythme, l'art savant de l'articulation des motifs musicaux par rapport au texte, tout cela fait partie de l'univers maniériste de Michelangelo Rossi. Cette "exubérance mélodique" (pour reprendre les termes mêmes de Paul Van Nevel dans le livret accompagnant le disque) s'exprime alors avec une élégance rare, une capacité unique à subjuguer l'auditeur.

On retiendra les magnifiques "O miseria d'amante" aux connotations mystiques, "Or che la notte", dont les accords descendants des premières mesures nous font plonger dans les ténèbres, "Ah dolente partita", modèle d'équilibre parfait. J'ai pour ma part été bien plus envouté par les pièces polyphoniques a cappella que par celles accompagnées par des instruments.

Paul Van Nevel, avec son ensemble vocal, confirme le niveau d'excellence à mon avis inégalé sur ce répertoire. Il n'y a guère que le Collegium Vocal de Gand pour parfois se hisser à la hauteur de l'ensemble Huelgas. Ce dernier, d'une homogénéité saisissante, révèle des couleurs sublimes, restitue les nuances et intonations les plus infimes avec une précision saisissante, tout en conservant la ligne directrice. Du très grand art.

Ce disque, par l'excellence de son interprétation et le caractère singulier et passionnant de son contenu, représente certainement l'une des plus belles réussites de l'année.

Très court extrait (Per non mi dir ch'io moia) :

Michelangelo Rossi - La poesia cromatica - Ensemble Huelgas - direction Paul Van Nevel - label Deutsche Harmonia Mundi.

Coup de cœur du Poisson Rêveur.

Morceau choisi N°26 : You'd be so nice to come home to

La plus belle version que j'ai du magnifique standard de Cole Porter "You'd be so nice to come to" est celle d'Helen Merrill, avec son compagnon trompettiste Clifford Brown (l'un des plus grands), version de décembre 1954, label Emarcy Records  (l'un des tous premiers disques d'Helen Merrill d'ailleurs).  Sinon, je vous propose cette version trouvée sur youtube, tirée d'un superbe concert donné par Chet Baker en juin 1987.

Le chanteur et trompettiste est admirable de musicalité fragile et de minimalisme. Comme toujours à fleur de peau. Il bénéficie de l'accompagnement haut de gamme d'Harold Danko (piano), Hein Van Der Geyn (basse) et John Engels (batterie). Un an plus tard, Chet Baker sera trouvé mort à Amsterdam, après s'être défenestré.

Sinon, Helen Merrill a enregistré plus récemment une belle version (1994) dans le cadre d'un disque hommage à Clifford Brown (Brownie).

Extrait :

Racha Arodaky interprète une sélection de suites de Haendel le 30 septembre

Pour faire suite à la note précédente, si vous êtes sur Paris demain mercredi 30 septembre, Racha Arodaky interprète une partie des suites de Haendel enregistrées dans son futur disque, au Reid Hall (4, rue de Chevreuse, 75006 Paris).

Lien direct vers le site de Tschann Libraire pour plus de précisions.

Le disque Haendel de Racha Arodaky en pré-commande

Ce n'est pas mon habitude de recommander un disque avant qu'il ne paraisse mais une fois n'est pas coutume. La pianiste Racha Arodaky, dont j'ai vanté plusieurs fois le talent sur ce blog (cf. les superbes sonates de Scarlatti et mon entretien avec elle en avril), a eu la gentillesse de me faire écouter un extrait du disque qu'elle va prochainement sortir (en octobre) sur des suites de Haendel et la fameuse Sarabande.

Avec les couleurs magnifiques de son jeu et sa finesse de toucher, Racha Arodaky nous révèle au piano moderne un Haendel fascinant. Elle fait preuve d'une puissance narrative hors du commun, exploitant de façon exemplaire l'entrelacement des différentes voix du contrepoint magnifique de ces suites. Tantôt sous le signe de la danse, tantôt sous celui de la noirceur, en passant par celui la séduction, l'enchaînement de ces suites nous révèle des climats littéralement envoutants nous suggérant ainsi les différentes facettes du tempérament du compositeur.

Le jeu particulièrement délicat et aérien de la pianiste n'empêche aucunement le déploiement de sonorités bien timbrées avec de très belles nuances. Il y a en outre comme un sentiment d'urgence, une tension de la ligne sous-jacente qui font que ces suites sont très prenantes.

Racha Arodaky fait partie de ces rares pianistes qui apportent un soin particulier à la cohérence narrative de ces suites.  Son intention est que leur interprétation dépasse la prouesse technique pour tenter de démontrer que la musique baroque, avant le monde classique et romantique, s'attachait elle aussi à révéler les tourments de l'âme humaine. Elle démontre admirablement comment le contrepoint de Haendel, aussi conforme soit-il à la rhétorique, comprend une petite part de folie. Cet entrelacement complexe des voix fait en effet que la frontière avec l'improvisation devient particulièrement floue. La difficulté de l'interprétation de ces suites réside principalement dans cet équilibre subtil à obtenir sur la forme et cela, Racha Arodaky l'a parfaitement compris et intégré dans son jeu.

Il est d'ores et déjà possible de "pré-commander" cet enregistrement, qu'elle réalise sous son propre label, sur amazon.com. Pour ma part, je l'ai fait sans tarder ! La Fnac distribuera de façon exclusive un DVD accompagnant le CD et comprenant l'enregistrement de quelques suites et surtout la présentation par Racha Arodaky de son approche sur l'interprétation de Haendel. La sortie est

prévue le 15 octobre.

Disque déjà chaudement recommandé. Je tiens à préciser que je n'en tire aucun intérêt personnel si ce n'est celui - le plus important- d'avoir contribué honnêtement et modestement à vous faire découvrir une artiste que j'apprécie particulièrement.

Pour rappel, elle édite ce disque sous son propre label (air note). La pochette (cf. photo) révèle déjà l'atmosphère de mystère et de charme qui préside dans ce disque.

Rencontre avec Alexis Kossenko

J'ai rencontré Alexis Kossenko, dont j'avais inscrit dans mes coups de cœur 2006 le premier volume de son intégrale des concertos pour flûte de Carl Philip Emanuel Bach. Nous avons pu évoquer le deuxième volume de ce corpus, sorti en mai dernier, ainsi que son approche de la direction musicale. Il m'a également parlé de ses projets.

Vous nous avez fait découvrir les superbes concertos pour flûte de Carl Philipp Emanuel Bach chez Alpha en 2006. Le deuxième volume, clôturant cette intégrale est sorti en mai. Pouvez-vous nous en dire plus ?

Alexis Kossenko : le deuxième volume comprend trois concertos (le concerto en la mineur Wq 166, celui en ré majeur Wq 13 ainsi que celui en la majeur Wq 168) qui sont tout aussi brillants et virtuoses que ceux du premier volume paru en 2006. Je pense que nous avons réussi, avec l'ensemble Arte dei Suonatori, à encore mieux affirmer les caractères de ces concertos, dont la variété est encore plus marquée que pour ceux du premier volume. CPE Bach est à la jonction de l'époque baroque et de celle dite classique. La forme concertante, au sens étymologique du terme, à savoir la confrontation du soliste et de l'orchestre, est encore plus marquée. En outre, chacun de ces concertos révèle un climat différent, avec de forts contrastes, et demande à chaque fois une posture spécifique (par exemple l'Allegro assai d'introduction du concerto en la mineur, d'un lyrisme fou, où la flûte se trouve littéralement envahie par une masse orchestrale impétueuse, ou, à l'opposé, le poignant Largo du concerto en la majeur, d'une expressivité extrême, annonçant les grands concertos classiques ou romantiques).

Vous assurez à la fois la partie soliste et la direction d'orchestre. Compte tenu de la virtuosité de ces concertos et de leur richesse de couleurs, j'imagine que prendre en charge ces deux fonctions n'était pas forcément facile.

A.K. : la flûte mène littéralement bataille contre un orchestre virtuose et tempétueux. Ceci m'a demandé un travail particulier sur la direction d'orchestre, avec le risque effectivement d'en négliger la partie soliste dont j'avais aussi la charge ! J'ai donc apporté un soin particulier à mettre en évidence ce dialogue marqué entre la flûte et l'orchestre afin de révéler toute la richesse d'écriture de ces concertos tout en veillant à ce que l'instrument soliste garde bien sa place dans le fil conducteur de chaque concerto.

Pouvez-vous nous parler plus précisément de votre collaboration étroite avec l'ensemble Arte dei suonatori, qui explique en grande partie la réussite de ces deux enregistrements ?

A.K. : en effet, je collabore depuis maintenant huit ans avec cet ensemble et ai la chance de travailler avec une équipe fidèle, d'une intégrité musicale exemplaire, refusant les facilités, les effets, pour ses concentrer sur un vrai travail de fond sur les phrasés, la couleur, la cohérence de l'interprétation. Cet ensemble polonais a non seulement un excellent niveau technique, mais aussi une intelligence, une sensibilité par rapport au répertoire baroque qui font qu'il a développé une véritable identité sonore. J'apprécie particulièrement de travailler avec cet ensemble.

Après vous être concentré sur des compositeurs allemands ou d'Europe centrale, vous avez démarré avec le même ensemble, un projet Vivaldi. Quelle est la spécificité de votre approche, sur un compositeur autant enregistré ?

A.K. : les concertos enregistrés sont tous originellement écrits pour la flûte (seul le RV 430, quasiment inconnu des flûtistes, dans la copie de Christoph Graupner conservée à Darmstadt, est sujet à controverse. On s'interroge en effet sur le fait qu'il s'agisse d'une transcription due à Christoph Graupner. Pour ma part, je ne le crois pas. Je pense qu'il se réfère à une intention originale de Vivaldi, aujourd’hui oubliée. Certains concertos (3 issus de l’opus 10) sont déjà assez connus (comme le « Chardonneret »). En revanche les autres sont restés jusqu’à présent peu enregistrés. Pour ce projet, un peu comme pour les concertos de CPE Bach, notre sélection a été guidée par la volonté de révéler des œuvres dont les tonalités et la facture sont très différentes. Par rapport aux versions enregistrées jusqu'ici, notre volonté est de revenir à une plus grande simplicité et, surtout, au chant, au "cantabile", plutôt qu'à la virtuosité à tout prix qui est le penchant naturel que l'on peut avoir sur les concertos de Vivaldi. Parmi l'ensemble des pièces jouées, nous avons notamment sélectionné trois concertos de l'opus 10, dont celui en fa majeur que nous jouons pianissimo, avec les sourdines, afin de tenter de retrouver une délicatesse que nombre d'enregistrements récents sur Vivaldi nous ont peut-être fait oublier. Nous avons enfin beaucoup travaillé sur l'ornementation, l'articulation permettant au caractère chantant, spécifique de la flûte, de s'affirmer. Les concertos ont donc chacun leur personnalité et nous espérons faire découvrir un Vivaldi plus aérien, chantant et d'une belle simplicité. La sortie de ce disque est prévue en juin chez Alpha.

Quels sont vos autres enregistrements et projets, notamment les concerts ?

A.K. : tout d'abord, pour les disques, j'ai enregistré des concertos de Georg Philipp Telemann avec le Holland Baroque Society chez Channel Records (sortie prévue dans les prochaines semaines). J'ai particulièrement apprécié le travail réalisé avec cet ensemble musical sur cet enregistrement. J'ai également enregistré les concertos d'un compositeur français que l'on commence seulement à redécouvrir, Joseph Touchemoulin, contemporain de Mozart, élève de Tartini. J'ai réalisé ce disque déjà sorti sous le label Ramée, avec l'ensemble les Inventions, sous la direction du claveciniste Patrick Ayrton. Pour les concerts, je travaille, avec Arte dei suonatori cette fois, sur le répertoire français de la fin du XVIIème siècle, début du XVIIIème, notamment la musique pour ballets, ou des moments d'opéra de Rameau et Charpentier (en direction pure d'orchestre). Sinon, dans un autre registre,  nous initions cette année une nouvelle série de représentation avec le pianiste Rémy Cardinale, le violoncelliste Emmanuel Balssa, et deux chanteurs avec qui j'aime particulièrement collaborer (la soprano Magali Léger et le baryton Alain Buet), sur le répertoire du XIXème siècle, avec des instruments d'époque. Le tout prochain est le 9 octobre au Temple du Foyer de l'Ame à Paris autour de Frédéric Chopin. Sinon, je continue à me produire dans le cadre de collaborations, aussi bien avec Emmanuel Krivin comme flûte solo de la Chambre Philharmonique, qu'avec Emmanuelle Haïm pour le Concert d'Astrée.

Carl Philipp Emanuel Bach - Concerti a flauto traverso oblogato - volume II - Alexis Kossenko (flûte et direction d'orchestre) - ensemble Arte dei Suonatori - label Alpha.

Coup de cœur du Poisson Rêveur.

Sonates et partitas de JS Bach par Viktoria Mullova : élégance et probité

L'intégrale que Viktoria Mullova vient d'enregistrer des sonates et partitas de JS Bach pour violon mérite une attention toute particulière. Indépendamment de la belle clarté et de l'engagement de son jeu, bien connus depuis ses tous premiers enregistrements, la démarche est ici toute particulière. L'artiste l'exprime très clairement sur son site et avec une humilité certaine.  Elle entretient, comme beaucoup de musiciens, un lien très fort avec la musique de Bach tout en restant très prudente sur la performance de cette dernière en public ou au disque. Elle confirme le caractère finalement intimidant de ce magnifique corpus de sonates et partitas pour violon seul, dès qu'il faut soumettre leur interprétation au verdict du public. Ces pièces sont les compagnons intimes de nombres de violonistes mais ne se laissent visiblement pas porter si facilement au grand jour.

La recherche esthétique de Viktoria Mullova sur ce répertoire visait à dépasser les codes de l'interprétation dite "moderne", avant tout à la recherche du beau son, de la netteté des attaques, d'une articulation suffisamment marquée pour tenter d'apporter le maximum d'expressivité à ces pièces souvent perçues par le public comme assez austères. Insatisfaite par cette approche, elle a tenté de s'imprégner le plus possible au cours de ces dernières années de la rhétorique de l'interprétation baroque pour recherche une autre forme de respiration et, finalement, aboutir à une certaine simplicité. Le but est de servir le plus possible la clarté du contrepoint et la belle densité des harmonies en dépouillant le jeu des afféteries de l'école dite classique. Elle cite souvent l'influence salutaire de Marco Postinghel dans son parcours et sa recherche d'une forme de véracité.

Forte d'un bagage technique exceptionnel et qu'elle a de maintes fois démontré dans ses interprétations classiques et romantiques, elle entame donc cette démarche avec résolution et, surtout, je trouve, une grande probité.

Le résultat est indéniablement à la hauteur avec des sonates et partitas d'une grandeur d'âme indéniable et une vision d'une élégance, d'une hauteur de vue rares. Elle remet en outre clairement "les pendules à l'heure" face à des versions récentes comme celles de Hilary Hahn ou de Julia Fischer. Aussi parfaites techniquement soient-elles, quand on réécoute ensuite ces dernières, l'impétuosité de la violoniste américaine paraît un peu superflue et les tempos étirés, les effets appuyés sur certaines phrases de la violoniste allemande, finalement inappropriés.

Viktoria Mullova cisèle sans exagération les motifs avec une délicatesse merveilleuse tout en ne déviant jamais de la ligne directrice. Elle inscrit ces pièces sous le signe de la danse (elle nous rappelle ainsi, en passant, la dénomination des mouvements des sonates et partitas...), en maintenant une certaine vigueur rythmique mais sans aucun excès, sans agressivité. Les ornementations et trilles sont d'une clarté impressionnante. On a souvent reproché à Viktoria Mullova une certaine froideur. Ce n'est absolument pas le cas ici tant son engagement est réel. Son humilité également. L'exploit réside en effet ici dans l'équilibre des différentes voix et le fait qu'elle serve les harmonies magnifiques de ces pièces de façon extrêmement subtile.

C'est particulièrement probant sur la magnifique sonate N°2 BWV 1003, dont la version est emblématique de l'approche esthétique de cette intégrale.

Lien direct vers le site de l'artiste pour en savoir plus.

Lien direct vers la chronique de ClassiqueInfo-disque.com sur cet enregistrement.

JS Bach - Sonates et partitas pour violon seul - Viktoria Mullova - label Onyx.

Coup de cœur du Poisson Rêveur.

Ci-dessous un cours extrait : premier mouvement (Grave) de la sonate N°2 en la mineur BWV 1003 :

Beau concert en perspective le 9 octobre prochain

Alexis Kossenko (flûte), Rémy Cardinale (piano) et Magali Léger (soprano), sont à l'affiche d'un beau concert en perspective le 9 octobre prochain à 20h30 au Temple du Foyer de l'Ame à Paris.

Frédéric Chopin est au programme avec l'interprétation de valses, polonaises, mais aussi de lieder, mélodies, mazurkas transcrites pour le chant par Pauline Viardot (mezzo-soprano et pianiste contemporaine de Frédéric Chopin, sœur de Maria Malibran). Compte tenu du lieu et surtout de l'interprétation sur instruments d'époque (flûtes en bois et piano Pleyel 1843 de la collection Olivier Fadini), ce concert permettra de se plonger dans l'atmosphère des  grands salons parisiens du XIXème siècle.

Adresse du lieu : Temple du Foyer de l'Âme, 7bis rue du Pasteur Wagner 75011 PARIS (métro Bastille ou Bréguet-Sabin).

Réservations au 06-11-91-88-18.

Les Quatuors de Haydn par le Jerusalem Quartet

Dans le cadre des célébrations de l'Anniversaire Haydn, je vous recommande l'écoute des enregistrements qu'a réalisé le Jerusalem Quartet d'une série de quatuors de Joseph Haydn.

Je continue à penser que ce derniers initient les fondamentaux d'une très grande partie de l'écriture pour la musique de chambre qui se développera aux XIXème et XXème siècle.

Le jeu fin, élégant et racé du Jerusalem Quartet sert à merveille ces chefs d'oeuvre. Après untrès beau 1er volume comprenant les Quatuors op.64 n°5 ''L'Alouette''(ré majeur), op. 76 n° 2 ''Les Quintes'' (ré mineur) et op. 77 n° 1 ''Lobkowitz'' (sol majeur) ("Komplimenten-Quartett" ), ils viennent d'enregistrer récemment leur 2ème volume avec les Quatuors op.20/5 Hob.III:35 (fa mineur), op.33/3 Hob.III:39 (do majeur) ("l'Oiseau) et op.76/5, Hob.III:79 (ré majeur) (label Harmonia Mundi).

Je viens de trouver sur youtube leur version de l'Allegro moderato de l'opus 77 N°1 et qui vous permettra de juger de la pertinence et de la justesse de ton de cet ensemble sur ce répertoire. Cette vidéo est extrait de la chaîne youtube "Basskz" qui propose de nombreuses vidéos sur ce Quatuor.

Insaisissable et singulier Nicola Matteis

La violoniste Amandine Beyer, à la tête de l'ensemble Gli Incogniti, a eu l'excellente idée d'enregistrer des pièces du compositeur napolitain Nicola Matteis. On sait très peu de choses de ce compositeur, hormis sa réputation d'être un personnage fantasque, assez insaisissable et dont la virtuosité et l'inventivité étaient indéniablement reconnues par ses pairs. A l'écoute de la sélection de quarante pièces opérée par Amandine Beyer et son ensemble, on est tout de suite marqué par la diversité de climats que sa musique peut rendre et la maîtrise formelle des différents styles qui se sont croisés au milieu du XVIème siècle entre les formes françaises, italiennes et anglaises. Sans parler du caractère presque visionnaire de certaines pièces. Entre le le quasi-monteverdien Diverse bizarrerie Sopra la Vecchia Sarabanda ò pur Ciaccona, la Fantasia pour violon seule qui préfigure étonnamment une partita ou sonate de JS Bach, l'Aria malinconica (Adagio) annonçant, avec le style le plus français, un Jean-Philippe Rameau, ou bien la Sarabanda, digne d'une aria d'un opéra de Purcell, ou bien encore les toutes mesures plus que vivaldiennes du Preludio Allegro (Prestissimo), ce compositeur caméléon, absolument visionnaire, incarne une transition singulière entre les mondes de la musique ancienne et du baroque.

Le thème qui préside à cet enregistrement est de toute évidence celui des "fausses consonances" pour reprendre le titre du disque et du livret. Si le monde est supposé être régi par un certain ordre et une harmonie devant s'imposer comme une évidence, pour Nicola Matteis il n'est en absolument pas question. Sa démarche, si l'on peut tenter de l'interpréter, est plutôt guidée par l'invention, l'imprévisible et une imagination continue. En partant d'une trame imposée par la rhétorique de son époque, il part très vite sur les chemins de traverses pour nous emmener avec un charme déroutant dans son monde fantasque et ses "bizarreries" harmoniques et rythmiques. Certes celles-ci restent inscrites dans la cohérence du cadre formel de son époque. Mais dans ces "figures imposées", il démontre un sens de l'invention avec une spontanéité particulièrement rafraichissante.

Sa musique est attachante, sensuelle, avec, pour reprendre les termes mêmes d'Amandine Beyer, quelque chose "d'impalpable" qui fascine. Amandine Beyer traduit avec une finesse certaine, et beaucoup de musicalité, les différentes formes des nombreuses pièces interprétées. Son violon est vif, sans excès de nervosité, avec un subtil une certaine légèreté, une insouciance, un dandisme que l'on pourrait presque qualifier "d"anglo-italien" (!), compte tenu de la personnalité du compositeur. Tout ceci est particulièrement bien vu dans ce registre et ce fameux caractère fantasque,
imprévisible est particulièrement bien rendu.

Amandine Beyer est tombée sous le charme de ce compositeur et c'est plus que palpable sur chacune des pistes de ce disque. Son enthousiasme et son plaisir indéniables à interpréter ces pièces sont plus que communicatifs. A ce tire, ce disque est une belle réussite à saluer. Il nous permet vraiment de découvrir un compositeur atypique et très attachant.

Pour en savoir plus, je vous renvoie à l'excellente interview d'Amandine Beyer que Jean-Christophe Pucek a réalisée sur son blog passée-des-arts.com à propos de ce disque le 27 août dernier.

Sinon, je vous propose dé découvrir la petite vidéo de "teasing" certainement faite par le label et diffusée sur Dailymotion. Le fait qu'Amandine Beyer s'attarde sur la technique d'interprétation supposée de Matteis (tenue plus basse du violon ) prend un caractère finalement anecdotique. Le reste de la vidéo permet tout de même d'écouter des extraits intéressants.

Gli Incogniti

envoyé par vincenthure. - Clip, interview et concert.

Nicola Matteis - False consonances of Melancholy - Ensemble Gli Incognito - direction Amandine Beyer (violoniste) - label Zig Zag Territoires.

Coup de cœur du poisson rêveur.

Pollini sublime le 4ème de Beethoven

Concert mardi 8 septembre au soir à Pleyel. Au programme, une Composizione per orchestra N°1 de Luigi Nono, la 4ème symphonie en la majeur "Italienne" de Felix Mendelssohn et le 4ème concerto en sol majeur pour piano et orchestre de Ludwig van Beethoven. Les interprètes d'exception pour servir ces oeuvres ne sont autres que Ricardo Chailly, à la tête du Gewandhausorhester de Leipzig et Maurizio Pollini (piano).

D'expérience, l'association d'interprètes d'un tel niveau, sur un répertoire archi-joué, peut donner le meilleur comme le pire.

Ce soir du 8 septembre, le public ne pouvait être déçu, les interprètes ayant été largement à la hauteur de leur réputation.

En guise d'échauffement, les sonorités habituellement chatoyantes et timbrées du légendaire Gewandhausorhester ont dû pour un quart d'heure affronter le monde déstructuré et fantasque de Luigi Nono. L'ironie du sort a fait que lors de la phrase pianissimo d'introduction, où chaque note doit être pesée au milligramme, un portable encore actif dans la salle ait fait surgir la fameuse marche turque de Mozart dans des sonorités digitales. Difficile de ne pas succomber au fou-rire avec ce pied de nez de Wolfgang Amadeus par le truchement d'un opérateur de télécom...

Vient ensuite la fameuse 4ème symphonie de Mendelssohn. Ricardo Chailly emporte alors l'orchestre à une cadence assez élevée, tout en respectant scrupuleusement la dynamique et la pâte sonore propre à cet orchestre. L'attaque du premier mouvement surgit au premier coup de baguette avec un orchestre calé d'une façon sidérante. Cette belle machine ne faiblit pratiquement jamais, à l'exception toutefois surprenante d'un Con moto moderato au tempo étiré et à l'allure un peu paresseuse. Le final est éclatant, et la plénitude sonore, cette belle densité qui contribuent à l'identité de ce magnifique orchestre se révèlent pleinement grâce à l'acoustique phénoménale de la nouvelle salle Pleyel. Ricardo Chailly confirme son immense talent en réussissant, avec une belle alchimie, à associer le caractère soyeux des sonorités, une souplesse indéniable des phrasés et une tension nécessaire de la ligne. Le tout s'accorde admirablement avec l'élégance naturelle de la musique de Mendelssohn.

Le sommet du concert est atteint avec Maurizio Pollini, attrapant le 4ème concerto pour piano et orchestre de Beethoven à bras le corps pour ne jamais le lâcher. Tout au long du concerto, il réussit l'exploit de maintenir un équilibre parfait entre tension et dynamique. Les arpèges du premier mouvement sont d'une limpidité sidérante, les aigües d'une clarté cristalline. On pouvait craindre une certaine dureté chez ce pianiste, et qui peut être, quelquefois, irritante. Ce n'était absolument pas le cas. Au contraire, avec l'âge, en murissant ce concerto sur près de trente cinq ans (cf. sa première version au disque en 1974 avec Karl Böhm et le Philharmonique de Vienne que j'ai toujours en disque vinyle), il apporte à son jeu une densité extraordinaire, avec une puissance narrative éblouissante. Sa façon de reprendre le dessus sur l'orchestre dans le légendaire et singulier Andante con moto se révèle d'une subtilité extrême et fait qu'il arrive littéralement à suspendre le temps. Ce second mouvement qui, par son caractère quasi métaphysique, me transporte littéralement m'a, sous le jeu résolu et racé de Pollini, vraiment bouleversé. Il a d'ailleurs captivé la salle, plongée dans un silence profond et admiratif. Celui du souffle coupé face à une lecture aussi engagée, intellectuellement comme physiquement.

On peut regretter que malgré plus de cinq rappels de la salle, nous n'ayons pas eu l'honneur de nous voir accorder le moindre bis. On peut appeler cela de l'ingratitude ou de l'arrogance. Vu l'état de fatigue que révélait le pianiste à la fin du concerto, on peut aussi juger superflu afin de ne pas entamer la densité exceptionnelle du moment qu'il venait de vivre et de partager avec un public conquis.

Ce concert s'inscrit dans une série de "performances" de Maurizio Pollini à Pleyel sur la saison 2009 - 2010. Le prochain concert est le 13 octobre 2009.

Lien direct vers la critique de concertclassic.com.

Lien direct vers le post du blog Paris-Broadway sur ce concert.

MQCD Musique Classique : à découvrir

MQCD Musique Classique représente pour les mélomanes un portail dont la vocation est complémentaire aux blogs, sites dédiés à la musique classique.  Il diffuse de la musique en ligne, comme une web radio, avec une sélection plus ciblée et donc plus pertinente que des web radios généralistes. Il comprend surtout un forum où les mélomanes membres du portail peuvent directement partager des informations ou ouvrir le débat sur les sujets de leur choix. L'inscription est gratuite et il est bien-sûr possible de participer aux discussions existante, comme d'en ouvrir de nouvelles soi-même. Développé en partenariat avec SimplifyMedia, le site permet en outre de bénéficier des fonctionnalité que propose ce logiciel, notamment l'interface avec iTunes., l'abonnement à une newsletter et la navigation sur le forum sans publicité.

La playlist MP3 (que l'on peut découvrir sur la colonne de gauche du site) propose depuis le début du mois de septembre une liste de titres enrichie de quelques belles pièces (dont la 3ème symphonie opus 44 en la mineur de Serge Rachmaninov par l'Orchestre de Philadelphie sous la direction d'Eugene Ormandy).

Hébergé sur un serveur québécois, MQCD Musique Classique diffuse gratuitement les enregistrements de compositeurs tout en protègeant le droit des auteurs et des ayant-droits, conformément à la loi canadienne sur la propriété intellectuelle.

Lien direct vers le site.

Trois ans, trois coups de coeur

Comme promis, l'équipe de rédaction du poisson rêveur (une personne) s'est réunie pour désigner à l'unanimité les "coups de cœur des coups de cœur". Pour fêter les trois ans du blog, j'ai sélectionné pour chaque année, 2006, 2007, 2008 un disque par année qui se distinguerait de la douzaine de coups de cœur de cette même année.

Le verdict est le suivant, sur les 44 disques cités :

2006 : Une nuit sur le mont Chauve (Modest Moussorgski) - Le Mandarin merveilleux (Béla Bartók) - Le Sacre du Printemps (Igor Stravinsky) - Esa-Pekka Salonen - Los Angeles Philharmonic - Concert "live" au Walt Disney Concert Hall - Label Deutsche Grammophon.

2007 : Amor Sacro : Motets d'Antonio Vivaldi - Simone Kermes, Soprano - Venice Baroque Orchestra - Direction Simone Marcon - Label Archiv Produktion.

2008 : JS Bach - Messes brèves BWV 234 et 235 - Ensemble Pygmalion - direction Raphaël Pichon - Eugénie Warnier (soprano), Magid El-Bushra (alto), Emiliano Gonzalez-Toro (ténor), Sydney Fierro (baryton) - Label Alpha.

Ces trois enregistrements ont un point commun : l'audace, une dynamique, une justesse incroyables.

De ces trois disques émergent une énergie prenante, des couleurs éclatantes, sur des registres qui peuvent être pourtant radicalement différents.

Si je ne devais en retenir qu'un seul, ce serait le phénoménal Sacre du Printemps par Esa-Pekka Salonen.

L'isle Joyeuse et l'Embarquement pour Cythère

En guise d'écho musical à la note de Bleu de Cobalt sur l'Embarquement pour Cythère d'Antoine Watteau, l'Isle Joyeuse de Claude Debussy s'impose inévitablement. Ce dernier a composé cette pièce pour piano en faisant explicitement référence au tableau de Watteau.

La référence rythmique et formelle à une havanaise en milieu de morceau traduit sans doute la volonté chez Debussy d'apporter une touche d'exotisme tout en restant dans la continuité du climat général de la pièce, emprunt d'une certaine fébrilité et de couleurs assez marquées.

Je ne développerai pas la référence au monde aquatique, "marque de fabrique" du style Debussien, tout à fait évidente ici avec les trilles d'introduction qui peuvent évoquer une mer agitée. Pour autant, cette mer ne paraît pas hostile. Elle invite plutôt au voyage, aux sensations grisantes procurées par le vent et les embruns lorsque le trajet est saturé d'une belle lumière et que la destination est pleine de promesses (les références de Watteau dans son tableau aux dieux grecs incarnant l'amour sont plus qu'explicites). Si la sensualité est le thème indéniable du tableau de Watteau, en revanche on ne peut pas vraiment dire qu'elle soit dominante dans l'amorce de la pièce de Debussy. Elle se révèle bien entendu lors du développement du motif principal sous forme de havanaise où, de façon très subtile, une forme de nonchalance voluptueuse vient prendre place pour quelques minutes. En revanche la conclusion de la pièce, impétueuse et tendue, ferait plutôt référence à quelque amour exalté.

Ci-dessous, je vous propose deux versions très différentes. La première, celle fameuse de Samson François, qui marque surtout par son caractère fantasque, exalté avec un insertion sidérante dans l'univers du jazz, notamment avec les toutes dernière mesures. La seconde, de Claudio Arrau, qui oppose à la première un son ample, un toucher plus délicat, un usage visiblement plus généreux de la pédale. Tout ceci contribue ainsi à rendre cette sensualité que l'on pourrait rechercher et à nous référer à une poésie de l'insouciance. Pour ma part, je reste plus sensible à cette deuxième approche que certains jugeront peut-être "aguicheuse" mais qui, chez Arrau, reste toujours d'une probité irréfutable et d'une très haute tenue.

Je suis désolé pour la qualité très moyenne du son des deux vidéos mais je n'ai pas trouvé mieux sur youtube.

Série limitée sur l'intégrale des cantates de JS Bach par Maasaki Suzuki

Le label suédois BIS, qui accompagne fidèlement Masaaki Suzuki dans l'intégrale exemplaire qu'il enregistre des cantates de JS Bach, vient de prendre une belle initiative. Il propose une édition spéciale de deux coffrets de 10 CDs chacun, regroupant les 20 premiers enregistrements effectués par le Bach Collegium Japan depuis le lancement de cette belle aventure en 1995.

Masaaki Suzuki s'est fixé une vingtaine d'année pour achever son travail soigné, minutieux, d'un niveau d'excellence constant. Cette intégrale, si elle vient à son terme, sera alors, à mon avis, la plus belle et la plus cohérente jamais réalisée.

Pour les mélomanes qui n'auraient pas constitué ces premières briques de l'intégrale au fil des parutions, ces deux coffrets de 10 CDs chacun représentent l'équivalent du prix d'environ 6 CDs au prix actuel des nouveautés. Point important à noter, parce que particulièrement rare dans ce genre d'opération, chacun des disques est fourni avec son livret complet d'origine. La numérotation des enregistrements suit l'ordre chronologique de composition des cantates.

Je vous invite donc à tenter cette découverte. La clarté de la trame polyphonique, la tension subtile de la ligne et la belle humilité du chef face à ce corpus imposant font de cette intégrale l'une des plus belles aventures musicales et humaines qu'il soit possible de connaître.

Lien direct vers le site Amazon pour plus de détails.